2017年7月25日

Meloclassic - Wanda Luzzato

唱片編號:Meloclassic MC 2026。Luzzato的專輯越聽越有味道,這套2CD有太多值得咀嚼的詮釋細節,推薦給重度歷史錄音迷。此輯可謂集中了其演奏精華。


歷史錄音好比音樂煉成的繭。

最早被歷史錄音電到是在高中,大學時一頭栽進去,順著網路上的討論學習(儘管當時資訊並不像今日多元,卻也聽得耳不暇給),直到現在,過了十幾年,歷史錄音還是沒聽膩。前陣子寫了Wanda Luzzato,忍不住燃起一股興致,想把好的歷史錄音繼續介紹給讀者。至於介紹方向,暫且決定以一家廠牌為主,因為觀察到目前為止,它可說是歷史錄音領域的新星,不僅臉書粉絲頁經營得有模有樣、粉絲黏著度高,實際產出的錄音修復、專輯整理亦表現不俗…

請留意:Meloclassic。這個不斷茁壯的小廠,值得注目。

「就音樂聆賞來說,聽眾可以直觀地感受,也可以藉著一套美學系統達致更深層的、更強烈的審美快感,同時,對於演奏方式的考證本身亦是學習聆賞的脈絡。聽覺經驗是如此一層層疊加的,而歷史錄音的價值也基於如此理解而豐盛了起來:它紀錄了演奏者的風格、特定的詮釋手法、現今罕有演出的曲目等等,在某種程度上也一併側寫了某個年代的演奏風潮與當時錄音設備的性能。」

這是我上次提及歷史錄音的想法,現實點講,音質表現好,這些音樂細節才有機會推廣給更多聽眾,雖說現實得莫可奈何,好在Meloclassic對音質處理算是相當重視,值得支持,期待未來挖出更多寶藏繼續餵養樂迷。市面上有很多迷人的歷史錄音,卻乏人問津,會買的人就是會買,不會買的人還是不會買。沒人買單的原因當然有各種面向,除了音質,相信還有一部份是因為沒有相關(中文)紀錄可以搜尋,像這種狀況,一篇短短的稿子縱然只是拋磚引玉,但只要稍能填補「買」與「不買」之間的鴻溝,也算是替自己喜歡的軟體盡了點心力。

歷史錄音除了有「認識某個年代演奏風尚、認識稀有曲目」的文獻意義,還有「挖掘好演奏、帶給樂迷對味的演奏家」這番聆賞樂趣;Meloclassic最拿手的就是不斷挖出冷門卻優異的演奏家,或者應該說,這些演奏家當年其實頗有名望,卻在時代淘選後漸漸受人遺忘總之,這廠牌已經發行了不少有意思的音源,帶來的感動不一而足,接下來幾回我打算用連載的方式慢慢述說。

剛好這廠牌也有Luzzato的錄音,就先從她講起吧!

這張照片擷取自解說冊內頁。Luzzato與恩師(兼貴人)Hubay的珍貴合照。他倆在這場景(White Room)留下少數幾張照片,這張的氛圍尤其生動。

首先要聽的第一個重點是:Luzzato中庸自持的技法之下,音樂表情是怎麼做出來的?從她招牌的舒曼第二號小提琴奏鳴曲來聽,節點清楚、分句不求特出,如同她在別張錄音的表現,實在不覺得詮釋方面有什麼奇思怪想,那股「端莊雍容」竟然也能點出舒曼的詩意?是不是正因為她的演奏習慣不求誇大,所以反倒能映照不同的作曲家個性呢?抱持著這種疑問去聽她演奏的葛利格第三號奏鳴曲,大概就更會這樣揣測了,音樂處理一樣樸實,但第二樂章中極為纖細又篤實溫柔的氛圍難以言喻!這能說是忠於樂譜的個人風格嗎?好像總是比譜上「多一點情緒」,又那麼地具有說服力,簡直極品一枚。

啊,也許就是那微妙的「多一點」、也許就是那收放之間的忖度,讓布拉姆斯的第二號小提琴奏鳴曲得出了一番醍醐味。此處必須強調,在我心中,布拉姆斯的這號作品是極難表現的室內樂曲目,尤其「樂思的轉換」,著實不好連貫,就像賽車場上的賽道有著隱隱約約的曲折,每一個小轉折都需要技術與巧思,段落銜接上亟需演奏者用心安排工整時值,以傳達內斂而豐盈的韻味,這剛好對上了Luzzato的特點,既不張揚,又可以給樂句適度的情感。

對了,說到演奏中的情感,無論是葛利格纖細易碎的那一面或布拉姆斯的樂思轉圜,單看小提琴就不公平了,必須要同時歸功於伴奏者Hans Priegnitz,他讓鋼琴聽起來和煦溫暖、恰如其分,整張專輯的鋼琴風格並不光芒四射,但永遠順耳服貼,與小提琴聲部營造很多可圈可點的細節,假使這套專輯少了這鋼琴家,肯定要遜色許多(之後要是有挖出他的獨奏會錄音,荷包勢必又要縮水啦)。下面提及的錄音亮點,在您聆聽時,也別忘了注意鋼琴家是怎麼支撐小提琴表現的。

繼續用室內樂一決勝負。

再聽專輯中的貝多芬的第二號小提琴奏鳴曲。這是一首可愛而奇妙的作品,好像一面洋溢著愉悅、一面向遠方不可名的事物呼喚。倘若貝多芬的第一號小提琴奏鳴曲是在宣告樂壇他擁有掌握這種體裁的能力,那麼第二號就是他告訴聽眾,兩種樂器蘊含的趣味遠比想像還多:尤其第二樂章,亮點是「丟出一個樂句、兩個樂器對唱」,疏密有致,迴旋糾纏。這樣的音樂只怕演得濫情,不過在Luzzato掌控下,音樂線條穠纖合度,幾近無懈可擊。這樣講也許有點誇張,但是Luzzato的演奏方式在浪漫時期曲目方面有很好的示範效果,她著重句法的造型,甚為講究「弧度」,彷彿解釋著:音樂的表情符號不會只是單一指示或片段的效果,為了表達情緒細節,演奏者需要設法把運音(Articulation)的種種連貫起來。

要是上面那些老掉牙的曲目無法勾起您的聆聽欲望,可以試試胡拜的奏鳴曲。我不願意說「Luzzato果然得到乃師真傳」這種無法量化評量的推斷,但當我聽到第三樂章那麼生機盎然,簡直勾勒著春日的江河大景,也不禁心蕩神馳了起來。Luzzato的詮釋不求瞬間抓住耳朵,但就是耐嚼,越聽越有想像空間,好比這第三樂章:鋼琴如大江,姿態低低地帶著小提琴觀覽風光,於是,小提琴的形象多變,有時像花鼓遙遙點綴著熱鬧群眾,偶而嬌嫩似蓓蕾初綻,整個音樂氛圍越靠結尾越見激盪,最後突然一陣喧囂,猶如大江奔騰著出港,相當精彩。

說再多,都比不上親耳聽一回。

從錄音中的表現大膽推測,Luzzato1932年的國際小提琴競賽能以13歲之齡奪得第四名,應是有優異且紮實的根基,而非偶然。(同場比賽並列第四名的是年紀相仿的Ginette Neveu,而且評審可是一眾明星哩,包括Adolf BuschCarl FleschJeno HubayBronislaw HubermanErich KleiberJan KubelikGeorg KulenkampffPierre MonteuxErika MoriniArnold RoseJosef SukJosef SzigetiKarol Szymanowski…等人,能拿下名次肯定都有過人之處。)

前二期寫的Luzzato錄音是Rhine Classics出版,為8CD盒裝,本回介紹的Meloclassic出版則是2CD套裝;兩套錄音曲目重複不算多,即便曲目有重複,也是完全不同的版本。如果您想了解Luzzato的實力,卻預算有限或怕詮釋不合胃口,建議您不妨從這套2CD開始試試。

下一期,我們再繼續探訪有趣的秘藏小提琴音源。

2017年7月8日

亂談.奏鳴曲式蔓生

樂友的一個發想,很有意思:古典時期曲目的最大特點是奏鳴曲式之確立,對於創作者而言,有規範可遵循,究竟是能發揮實力還是壓抑創作天份呢?

我認為至少可以分成兩部份回答。
1)      創作者「被規範」的觀察:發揮或壓抑,能不能百分百套上這些觀察。
2)      最後再回過頭思考奏鳴曲式之確立跟古典時期怎麼對應起來。

一邊思考著這樣的回覆方案,一邊慚愧著該重讀C. Rosen的著作了。脫離學校越久,忘得越多,也只能一邊寫,一邊替自己抽絲剝繭了。要回答一個好的問題,根本就是對自己二度教育(又扯遠了)。

對於創作者而言,有規範可遵循的話…此處不妨代換一個老套的說詞:傳統。顯然曲式可視為創作的傳統,一種習慣,或者說是音樂溝通的文法、表達模式。再從這裡發想的話,一個演說家的風格,一個演員的套路,都是基於傳統的理解,搭上自己對時興流行的內化。

就拿莫札特、貝多芬、海頓當例子。如果「同時」考量起三位作曲家對「規範」的習用,我有兩個感受:第一,規範隨時都有彈性,因為他們是活在那樣的曲式文化中,不是後世歸納出的曲式教科書中;第二,不能武斷地說他們究竟有沒有「被規範」,而保守來講,即便有,不同的作曲家對「規範」的態度也不見得是一致的。所以第一個問題就「創作」的角度說,考量的關鍵可以是「在音樂寫作上,有什麼元素、怎麼運用元素」,是一個解套的方式,因為音樂元素既是自由的,也是很難突破創作習慣的。那麼,思考到這個解套,也相當於進入了作曲家的狀況:作曲家的聽眾跟作曲家自身,都是意識到一套「聆聽習慣」,這個習慣就是他們可以選擇遵從、或者突破的「曲式」。

所以曲式既是被實踐的對象,也是隨著實踐慢慢變化的傳統。如果說「發揮」,那就是對於元素的配置嫻熟,如果說「壓抑」,那就代表對於樂曲創作形式的反動;我相信二者兼有,只是不同的比例,或者可以說是一體兩面。請容忍我無法嚴謹地舉例,但大抵如下:

海頓的發揮與壓抑:以交響曲中的奏鳴曲式來說,我認為海頓的發揮與壓抑幾乎同源。從後代教學角度看,奏鳴曲式的主題有第一第二主題之分,海頓雖然沒有受過20世紀的音樂教育,但他的音樂彷彿表明他能夠意識到呈示部主題需要變化,而實際聽起來,他的變化往往是含蓄的(對我而言),意思就是,他的主題不會無聊,但是素材變化方面帶來的衝擊性總是比較少的。

莫札特的發揮與壓抑:莫札特的對位技巧出奇地好,對合奏效果、舞蹈音樂也有很高的轉化能力,我最愛聽他在奏鳴曲式發展部動的手腳。如果說起有什麼疑似是壓抑的部份,那似乎就是他在於太習慣奏鳴曲式,不過,處在兩百多年後這麼說,也不是很合邏輯…但大概也因此,才會有莫札特是天才的說法,因為他即使沒有刻意突破框架,音樂還是充滿驚喜。莫札特讓我喜愛的原因也是這樣,總是機巧,不用突破什麼,就很美。

貝多芬的發揮與壓抑:這樣接連觀察下來就有意思了。發揮與壓抑的對照、衝突,在貝多芬的時代與他個人身上就能顯現。他的發揮是來自壓抑,來自突破的欲望。關於這點,我認為暫且不需要太過著墨,如果喜歡貝多芬的音樂,多少也能感受到這點。

接下來進入第二個問題。其實這問題正好是過去音樂史的一個大哉問。傳統的音樂史是風格史,也就是從曲風沿革流變的紀錄、推敲、考證中開枝散葉的歷史。想想這個問題:究竟是「古典時期確立了奏鳴曲式」,還是「因為奏鳴曲式的繁盛,讓我們得以大致規範出一個時期叫做古典時期」。

回到前面的關鍵字:傳統。你對傳統的觀點是什麼呢?在我的想法,傳統是活的,只是變遷速度不定而已。曲式這個傳統正好是這麼回事。巴洛克時期的二段體是後來奏鳴曲式三段體的前身,回溯至那個時代來講,呈示、發展、再現的音樂處理階段不是早前就被規範的,而是逐漸被創造的聆聽習慣。於是不免會有這樣的猜測:在那個環境下,發揮與壓抑都存在,而也許都是被需要的吧…?

2017年7月7日

雜記.音頻變壓器&訊號線若干

會來這裡的朋友大多都是熟客了。單刀直入,向大家簡短報告:
由於下半年公務繁忙,無法好好整理文章,
所以,沒有刊登在雜誌上的一些雜談,都以筆記方式呈現。
近期無法多提供搭配細節、測試軟體、相關照片,實在不好意思。

最近的重點還是音頻變壓器,與訊號線若干。
感謝駱爺、樂音林桑賜毒,也感謝平雲大不時提點、分享,
讓我得以從日常瑣事中稍稍轉換心情。

這種發燒友之間的互動實在比商場上勞心勞力的種種舒心多了。
或許以前流行「鬥機」,那種熱鬧文化的根本在於人情味呢。

感嘆抒發完,先說說手邊的RCA訊號線。
以Suhner玩家自製線與Musical Sound 70's為基準參考,心得筆記如下。

Airy plus(樂音)
溫柔綿密 均衡寬鬆 調音自然
一絲軟調 輕柔包覆 說也奇怪
此線氣韻 不卑不亢 實為可親

Bradford(老線)
豐腴圓潤 速度不快 人聲尤好
中頻飽滿 下潛略欠 高頻稍緊
少刺激感 調味明顯 需謹慎搭

Neumann(玩家自製)
清晰直接 穩重穩當 幾無修飾
非韻味派 非誇張派 中肯寫實
少有媚態 密度感佳 也有厚度
音質甚好 動態持中 對比中庸

Studio Alpha 1(円空,日本小眾品牌)
陰影階調出色 輕重起伏紮實
細節處理細緻 速度快而不衝
能量飽滿內斂 形體音場俱在
層次解析分明 手法流暢細膩

WE 早期軍規銀線(日本玩家自製)
步調輕快而溫和
活躍且光澤細緻
確實帶著西電味
三頻分佈像竹筍
銜接修飾頗漂亮
小編制活力到位
大編制似有極限(待未來熟化確認)

訊號線表過,再說音頻變壓器。
一嘆!此乃毒坑也,勸君莫入。

聽過有音頻變壓器的系統,
再怎麼樣都回不去了,
就說是心理作用也罷,
確實是能感受到音頻變壓器的驚人。

總體來說,姑且不論各家頻譜調整與音色調配:
只要音頻變壓器製作有一定水準,
「圓潤、厚度、實體感、空間感」這四點幾乎都有改善。
至於「音質」一項,我反倒持保留態度。
一方面音質難免主觀,另一方面,
要再次強調「改變」不等於「改善」,
音質整體變化的論斷,終究是看系統而定的。
尚無法管窺全貌。
再加上每個人對系統不同的細節有不同的重視程度,
更難一概而論了。

不過,還是要再感嘆一次。
像我的平價二聲道與耳機系統,
如果加上夠檔次的音頻變壓器,
實在就是那句:曾經滄海難為水。

先快速複習過去的紀錄。
需要點出透明:Siemens音頻變壓器(開闊、有光澤,目前二聲道系統固定伙伴。)
需要唱出密度:Luxman LT-1000 / Luxman MAG-1(耳擴搭配基本參考指標。)
需要唱出牽絲:GEC音頻變壓器(聽過就無法忘記的音染,過份嬌媚。)
需要帶出潤澤:Waiting Audio的西電無源前級(活生與潤澤,兼而有之的一例。)

最近聽的:Marantz DLT-1
1. 意外地現代聲
2. 飽滿如預想,實際聽來更有崢嶸處
3. 出乎意料。極快速鮮活,像是強化的Jensen產品,立體感亦好
4. 跟最近五年來,以一抹暖味走跳江湖的馬蘭士判若兩人
5. 整體還是傾向寬廣均衡的健美風格,意外地強勁、紮實
6. 以上五點在換過搭配之後,徹底翻盤,好強的一記當頭棒喝(!!!)
7. 這部變壓器在接耳擴時,表現得非常活潑彈跳,如同前述,沒想到換去接一部入門綜擴時,竟然發出非常圓潤流麗的質地,弦樂簡直滑嫩酥軟,讓我大吃一驚。看來後端阻抗也會直接影響整套搭配的個性,再換過線材,簡直就是百變之身。可玩性極高!

最近聽的:WE 91A Rep
1. 說不出的甜潤細緻。
2. 不囉嗦,已中毒,且是劇毒,好個西電之聲。
3. 閒談:我對西電喇叭始終有所保留?
4. 但是:西電週邊總是讓人驚喜不斷呀⋯

最近玩的:串接音頻變壓器
心得1:根本自討苦吃
心得2:最易出現高頻比例失衡與透明感變差
心得3:前者是頻率曲線扭曲,後者顯然是相位問題
心得4:兩個問題中,我無法肯定討厭何者多些
心得5:硬要選的話,少掉透明感肯定更加可惜,因為高頻表現可以設法補救
心得6:串接的話,線材也是個極大難關,會花太多時間
心得7:個性都是偏向中性的音頻變壓器,串接起來比較好調聲
心得8:真想玩串接的話,一開始至少要有一台中性取向的

印象深刻的音頻變壓器:
GEC:實在難忘,音染到自成一格的美感。
高頻滾降明顯,音樂中銳利的表情會被少少抹平,
高音拔尖與微動態等講究極致解析的地方都沒有,
但中頻極黏稠,會牽絲,人聲弦樂好聽得噁心、噁心得好聽!
經過林桑修改的版本,換上不同配線與銲錫,簡直脫胎換骨,
多了一陣清風拂面而來。

RCA:就是那個RCA。
聽感上明顯可以感受到極低頻直接濾過,
但形體圓潤感與中頻肉感有非常適恰的表現,不會過度染色。
對於不要求極低頻延伸的書架喇叭來說,是一大良伴。
碰上大部分入門、初次進階的數位流、耳機系統來說,
相信也都是加分的。

Luxman LT-1000:就是此物讓我深深感受音頻變壓器的重要。
穩定性高,大場面應付裕如。
小編制演出也值得細品,好比鋼琴觸鍵處,
不僅晶瑩剔透與密度絲毫不少,還更顯實體質感。
頻寬夠,全頻段聲底紮實,音質細密。
它讓我最難忘的是,當初乍聽之始,並未特別驚豔,
但聽過一陣,某天將這音頻變壓器從系統移開,
立刻感受到所謂「數位聲」,那是細微卻有感的「粗礫」。
再將此物安回原位,更加肯定音頻變壓器這類產品,
在聆賞方面也有其實際應用意義。

未來有機會聽到再補:
Altec / Jorgen-Schou / Kripton

2017年6月9日

測試.Fidelix SH-20K

Fidelix SH-20K

最近評測器材時,把這「庫藏老物」搬出來試,同樣是先前到日本出差時偷閒去淘回家的。值得一提的是,我手上這台聲音完全正常,整體外觀保養也很好,只是因為外殼有明顯凹陷變形,二手價格就打得頗低,可見日本玩家對於中古品相要求之高。(相關文件掃描附於文末。)

用它聽熟悉的測試片,高音觸鍵多了一絲寬鬆,音場也開了一點點,沒想到1994年的調音器材還真能派上用場。它的完整名稱是Fidelix SH-20K Natural Spectrum Harmonator,姑且稱之為「諧波產生器」吧。

這「諧波產生器」是啥玩意兒?請想像它是發出超高頻訊號、彷彿把CD變成「準」高解析音樂的調音器材。這樣說依舊讓人摸不著頭緒對吧?其實我一開始看到產品說明的時候,也確實想了一下才懂葫蘆裡賣的究竟是什麼藥。

嗯…另闢蹊徑的高解析?

Fidelix SH-20K的內部線路有歐美日韓等地的專利保護。另外,就算真想抄襲,也很難完全照抄,因為關鍵元件的型號都被磨掉了。

超高頻訊號與高解析的關聯在哪?先說高解析。高解析是數位領域的事情,它有兩大關鍵:「高於16bit / 44.1kHz的資訊量」與「噪訊處理」。過去發燒友的印象主要停留在「密度更高的資訊量」,也就是提高取樣率或數位運算差補,而現今的發燒友越來越體認到高解析格式不僅資訊量的問題,它也必須同等重視噪訊處理,姑且不論各家手法差異,更高的解析度便意味著數類轉換時的噪訊會提到更高的頻段,也就是對聽覺範圍內的影響更小,提升音質。而Fidelix SH-20K的設計原理竟然不屬於上述範圍,卻也能仿生超高頻訊號,又是怎麼回事?

進入CD時代後,人們開始反芻聽覺經驗,因為CD與黑膠對比是聽得出差異的。儘管CD規格是建立於聽覺上限大約在20kHz的科學基礎,但1980年代開始有研究認為人耳會受到更高頻率的影響。意思是超過20kHz的單音是聽不見的,但聽不見的高頻還是會影響聽覺範圍內的聲波,據原廠查找的文獻所說,90kHz以內的頻率都會影響實際聽到的聲音。Fidelix這款產品的發想奠基於此,工作原理是「先偵測訊源輸出的6k-20kHz音頻訊號」,再利用振盪器產生相應的超高頻訊號,頻率範圍從20k-120kHz,目的是追求更好的音色、質感、空間感。

原廠概念有其道理,此處摘要分享:人們以為是樂音成份的極高頻,其實到了20kHz以上,就趨近於隨機的高頻訊號!樂器的頻譜表現本就相當複雜,加上弦樂的抖音、撥弦或擦弦的雜音,乃至管樂的吹奏氣流、鈸等金屬樂器的不規則泛音,還有合奏的音高差異,在在影響著高頻頻譜的複雜度,泛音根本不像我們想的那麼規律。就像自然界中聽起來舒服的海浪聲與風聲,頻率組成也是無規律可循的。礦泉水比蒸餾水好喝,最重要的是有那「雜質」;在重播音樂方面,當頻率高到無法辨識,「超高頻訊號之有無」會比「超高頻實際上是多少赫茲」更為重要。

諧波,殘響,好聲?

不僅有想法,Fidelix還有個秘訣,就是SH-20K產生超高頻(請想像成模擬自然的「豐富泛音」)後,會有2.2毫秒的延遲,模擬音樂共鳴的殘響「餘韻」,這也是優化聽感的關鍵設計。如果說現代高解析格式是盡可能忠實保留資訊量以求聲音清晰厚實,那麼這款調音器材就是以獨門手法帶出偏向圓潤軟質的類比風味。這完全是另闢蹊徑的高解析音響產品,原廠認為有使數位聲更加纖細圓潤的效果及提升餘韻、空間感。對了,這技術當年取得美國專利,日本其他廠家不得模仿,不知道這專利保護有沒有年限?

乍看下,您可能以為SH-20K屬於「差補運算」範疇的產品,其實並非如此,因為它不是靠增加數位訊號來達成高解析的目的,而是直接發出超高頻類比訊號,摻入原本訊號中,甚至可說是噪訊!雖然感覺起來挺不衛生,讓人非常擔心聲音是否會變得既濁且噪,也擔心相位問題,但聽覺心理實在複雜,不得不承認,我還滿喜歡微調後的聽感哪這用在訊源與擴大機之間,也屬音質改善器的一種,要是您的系統已經有了真空管音質改善器或音頻變壓器,追加SH-20K時最好試試看接在哪部器材後面效果較佳(因音頻變壓器本身有頻寬限制,易濾除超高頻訊號

如果您也有機會接觸這樣的產品,有幾個試聽方向僅供參考:首先請直觀感受音質有沒有差異、有沒有劣化;接著請聽聽看撥弦類樂器(吉他、曼陀鈴等)的清澈感與肉感是否維持住。都沒問題的話,再請用女聲、提琴、鼓的樂段輪番測試聲音密度、真實感,最後則是請感受看看,加上這種調音器材之後,堂音飄散營造出的空間感如何。

20kHz以上真的有差?

我的聽力上限大概落在17k-18kHz之間,測試過很多次,18kHz以上的單音是肯定聽不見的,所以,要是單獨聆聽20kHz以上的「聲音資訊」,難以產生特別的、可辨識的「聲音意義」,然而超過20k的頻率區段,還是能讓我感受到可聽聞頻段的變化,相當有趣。如果您對高解析格式沒興趣,不妨想想二聲道系統的超高音單體,還有,為什麼現在的耳機規格都會做到20kHz以上呢?聽不到的極高頻是否影響音樂重播的光澤、水分、細緻感?Nelson Pass曾說,人耳雖無法聽到20kHz以上的頻率,但20kHz以上頻率的延伸滾降卻會影響到20kHz以內的相位失真與頻率強度。總體來說,超高頻是有其價值。

再次回到先前的觀點,人耳有辦法感受20kHz以上頻率造成的差別。考慮超高頻需要綜觀聲音再生的全頻段,20kHz以上的用意不是要聽者去分析「超高音能聽到多高」或者「超高音部份聽起來如何」,而是「人耳可辨範圍外的高頻訊息越多,越會影響人耳原本就可聞的頻域」,頻段分佈與量感都會直接反應在聽感上。舉個實例來說,小提琴、豎琴、短笛等樂器的高音泛音會落在極高頻段,若那個頻段的泛音越紮實,自然就是把樂器的音色給「補完」了;而各種原音樂器與人聲在錄音時的高中低頻是同步存在的,再生時如能有恰當比例,便能優化人聲與樂器的音色以及空間描繪,還原錄音中的細節,音樂再生的細膩質感正是由此而來。

問題來了:假設擴大機的頻寬只比20kHz多一些,比如只有25kHz,訊源加上諧波產生器的效果不就還是被「攔腰截斷」了嗎?不如反過來猜想,一般訊源不大可能處於完全的線性工作狀態,一般器材都在高音有所滾降,再考慮到聆聽者的人耳老化,如果是越接近20kHz,訊號清晰度離理想就越遠。諧波產生器多多少少能夠把凹陷的區塊填回去,用獨家的理論「填補」波形,就算擴大機從25kHz一刀切斷,那也比原本訊源輸出的訊號多了一些量感與「色彩」;當然,現今的擴大機頻寬都有一定水準。

這次器材邂逅,一方面證實Fidelix SH-20K有其效果,另一方面也說明了人耳聽感的趣味。說到底,音響與耳機好像也就是這樣才好玩吧?最重要的正是「好玩」二字,兜來兜去,哪怕只是一點新的心得也好,要能持之以恆地探索下去,就是要保持這個「玩」心吧。從探索器材中體悟新的趣味是非常重要的一環,能調出自己喜歡的聲音、認識不同的產品與不同的重播觀點,還有什麼比這更好玩呢?最後附上文件掃描檔案。







耳機.Beyerdynamic Amiron

Beyerdynamic Amiron

先前曾介紹過Beyerdynamic兩款耳機,分別是T1二代與T90,這回不妨閒聊該廠新款耳機Amiron…它屬於很難調聲的耳機,聲底很不錯,但要挖出潛力得費點心思,坦白講,這是我碰過最難搭配出平衡感的Beyerdynamic耳機(搭配器材與方向後敘)。

摸不透原廠究竟怎麼定位——不少玩家原先認定AmironT90的後繼家用機種,然而實際聽來又不像那麼回事,或許是為了召喚過去忽略的耳機玩家族群,它的聲底傾向著重中頻下段。雖然還是好聽的耳機,但會讓人對這個品牌的調音風格有所改觀,這款風格轉向的新作品與先前寫過的二款Beyerdynamic耳機在聽感上有什麼區別呢?習慣此廠明晰聲底的玩家在親耳聽過Amiron之前,應該很難想像吧?如果說它與T1二代是「大異其趣」,那麼與T90就是「南轅北轍」了。

外觀上得稱讚金屬網格的配置,相當搶眼。另外有一點很妙,這款耳機到處標著「beyerdynamic」字樣,幾乎從每個角度都能看到…

讓人完全改觀的調音風格。

首先以T1二代為對照組,與旗艦款相較,Amiron的分離度、形體比例都有水準,頗見穩重,但再細聽,Beyerdynamic慣有的清亮廣闊不見了、音場寬度也確實略遜一籌,取而代之的是拳拳到肉的飽滿聲響,人聲貼近耳朵,個性鮮明;若您喜歡聽搖滾樂、世界音樂、流行樂、爵士樂,這耳機會對胃口。綜合評比下,它的實力當然輸給旗艦款,但完全對得起它的售價,對我來說,最大差別在於高低兩端的比例配方。三頻分佈不同、個性不同、吸引的用家自然也不同。

這張「Samba Club」的主角雖然是山本剛與鈴木勳Donald Bailey的藍調口琴吹得那麼好簡直搶盡鋒頭,而且用Amiron聽,還真是挺爽的。KING RECORDS KICJ 2295

這麼說來,與T90比較呢?主要用三張參考軟體:伍佰的「釘子花」、鈴木勳的「Samba Club」、Antje Weithaas的貝多芬弦樂合奏專輯(AVI 8553226)。

Beyerdynamic的耳機總是能給我帶來一次又一次的意外,這款Amiron的調音取向會打破您過往對這個牌子的印象,原來它也能這麼熱情、豐滿、集中。

這裡不妨先說結論,AmironT90幾乎可以說是互補的。看它加厚的耳罩與框體,應當有輔助低頻之效,而實際聽來,低頻並不氾濫,貝斯、鼓的份量足,爽感夠,開得比平常大聲,仍然不躁不亂,是好耳機耐聽的表現。

當然,以T90為對照,一定要試試合奏曲目。因為T90詮釋中大編制音樂的時候,會顯得稍稍緊迫,所以聽合奏錄音,可進一步辨別兩只耳機的特質差異。T90給我印象很深,以其直截靈敏,小編制駕馭能力拔群、高頻亮麗,空氣感尤其鮮明(鈸、短笛、小號等),活生感與透明感強,可惜就是樂團齊奏處容易聽來偏薄,非常可惜。


相較之下,Amiron雖少了那分刁鑽靈動,但勁道威猛,播放樂團合奏時虎虎生風,而小編制唱起來也同樣立體、富有力道,兩只耳機形成很有趣的對照組,Amiron就是穩重,Weithaas專輯中的弦樂能雄渾地展開,喜歡從耳機聽見大場面大氣勢的發燒友可從中得到滿足感。大致說起來,它的特質是頻段分佈偏向中低頻,並強調厚實飽滿的表現手法,所以個性與「監聽風味」相去甚遠,相信耳機玩家能想像出那種感覺,此處不再多加著墨。

用蕭邦與伍佰尋找搭配方向?

目前得到的結論是此耳機下盤豐潤有力,搭配方面,自然要先注意避免下盤肥厚,需要收斂它那不小心就會太顯澎湃的低頻,追求低音域樂段再生的質感得以清晰舒適的樂器輪廓為目標。光聽前面那幾張專輯當然不夠,於是追加一張蕭邦的夜曲交叉測試,我選了Brigitte Engerer的版本。


Amiron使她演奏的蕭邦生出重量感與規模感,音響效果出色;有的人會誤以為Engerer的音色略薄,其實並非如此,她的觸鍵是「重得恰到好處」,在低頻不穩固的器材聽起來難免產生誤會,如用這耳機聽,就能體會她懂得拿捏分毫的巧妙。硬要挑毛病的話,那就是高頻飄逸感與晶瑩剔透感還未臻極致,我對這耳機的調聲期許是「要能唱出伍佰編曲、混音、歌聲的細節,更要唱出蕭邦夜曲高音觸鍵的晶亮」,雖然貌似有點嚴苛,但值得嘗試。

出發點是讓低頻的比例下降一些,於是大膽放手搭配中頻高頻表現出色的器材或線材。化約地說,訊源中高頻要細膩、耳擴聲底要乾淨(低頻亦不宜濃厚)、訊號線要注重高低兩段的刻劃能力(甚至有華麗音染也無妨)、其餘想強化的部分可再交由電源線微調。根據手邊器材,最後的搭配結果是訊源用Yamaha CDX-10,輸出給RCA音頻變壓器MI-11713,再進到耳擴Perreaux SXH2,線材方面混搭了SiemensSuhnerWE等不同個性的線。


最終總算是基本達成要求,除了鋼琴高低音觸鍵的美感,聽伍佰的「釘子花」、「放浪舞者」、「種子」,每一軌的每一部聲線也都解析得更清楚更紮實。對了,如果想讓它更圓潤細膩,請多嘗試耳擴組合;如果是想再把空間感撐出來一點,除了耳擴,訊源也必須勤加試聽。

2017年5月26日

出土.Wanda Luzzato

音樂是門藝術,它講究文化與情感的多面向體驗(只說「天賦、悟性」會引起錯誤的想像),自然需要時間積累——演奏者需要時間磨練技巧、聆聽者需要時間消化理解。「時間」在音樂裡有很多種體現的方式,除了前述微觀的個體經驗,也有宏觀的歷史角度。一方面我們必須理解樂風、樂種需要時間才能育成,一方面也得承認許多音樂作品乃是隨著時間砥礪出其價值,經過幾個世代反覆琢磨、考證、引申出新的意含,以使所謂「詮釋」增生出不同層次。換言之,今日我們對於音樂的理解,是逐步演化過來的。

就音樂聆賞來說,聽眾可以直觀地感受,也可以藉著一套美學系統(例如和聲)達致更深層的、更強烈的審美快感,同時,「對於演奏方式的考證」本身亦是學習聆賞的脈絡。聽覺經驗是如此一層層疊加的,而歷史錄音的價值也基於如此理解而豐盛了起來:它紀錄了演奏者的風格、特定的詮釋手法、現今罕有演出的曲目等等,在某種程度上也一併側寫了某個年代的演奏風潮與當時錄音設備的性能。

這套8CD盒裝應該是目前最全面的Luzzato錄音集成,她的室內樂讀譜功力值得玩味,留待樂迷細細品嚐。(唱片編號:Rhine Classics RH-002

這回要聊Wanda Luzzato1919-2002)的盒裝唱片,首先簡介推出這套唱片的廠牌「Rhine Classics」,即是本地樂迷知悉的萊茵河堤。Rhine Classics的自主發行企劃專門挖掘秘藏歷史錄音,把一些過去被遺忘的演奏家、演奏曲目、演奏方式重新帶到樂迷面前。目前為止有四套發行,主要音源來自SPLP、盤帶、廣播音源等,就算不講授權問題或四處探訪音源的成本,光看轉錄與壓製就是一筆可觀開銷。主事者做這件事,吃力不討好,坦白說,還很有可能賠錢,不得不佩服經營者的熱誠。(www.rhineclassics.com/pages/future-releases 瞧那未來的發行企劃,不禁要替這廠牌捏把冷汗啊…)

聽見一個時代裡的一個人。

現有四套發行裡,我最喜歡的是Wanda Luzzato8 CD盒裝,錄音年代從1955年到1979年,音源來自歐洲幾個廣播事業(RAISDRRSISRFRTF)與盤帶,雖然母帶大多狀況不佳,但已能夠基本勾勒出這位小提琴家的輪廓。

Luzzato的生涯跨過唱片出版業的初期、鼎盛與沒落,但我不會說她「見證」了影音發展的興衰,從她的活動記述、評介來看,應該不是熱衷於商業發行、宣傳的藝術家,她未受唱片集團牽制(從另個角度說即是較少資源),所以錄音大抵只是生涯發展的一個足跡,不是主力,幸好還有部份傳世。這套錄音年份落在單聲道末期、立體聲前期,同期的商業錄音都有很好的表現,相較之下,從她殘留的錄音品質來推斷,對唱片出版似乎真的稱不上關心。

那是古典音樂正在浪頭頂上的年代,唱片公司不斷地抓緊明星藝人,資源大把大把地挹注在一線明星身上,音樂產業的大師光環是非常驚人的。有產業就有製作,有製作就有包裝行銷,有包裝行銷就有明星那,有明星呢?就有遺珠。Luzzato正是其中一顆遺珠。關於她的故事,有興趣的朋友請參見唱片的小冊,內中記載了許多資訊,包括三歲學琴、五歲登台、和哪些名家合作過…等,如果一一寫來,未免顯得雜亂瑣碎,這裡僅摘一項重點:神童出身的她於1932年參加國際賽事,與另一位傳奇Ginette Neveu並列第四名,也是在那場比賽裡被匈牙利宗師Jeno Hubay相中,爾後收入門下,逐漸走上演奏家之路。

成熟的技藝…?

首先請聽皮澤第寫給小提琴與鋼琴的「三首歌謠」(CD3),其中第二首把抒情效果做足,而旋律收放之間頗得後味。Luzzato很會利用音量起伏與音色對比來釋放有限度的神秘感,就是只有半個月亮的夜裡,抬頭發現星星忽明忽滅的那種神秘感。可是,她偶而也會冷不防突然把情緒灑出來,就像她在舒曼第二號小提琴奏鳴曲第三樂章的表現(CD4)。

我會認為Luzzato技藝成熟,是因為她有辦法表達各種樂句性格,聽過舒曼,也別錯過同一片的舒伯特,相較於舒曼那潛在夜裡的樂章,舒伯特這闋奏鳴曲便像白晝景畫,Luzzato總能維持著光輝又典雅的音色,然而就這份錄音聽起來,難免生出後見之明:小提琴還是佔著主導的位置,鋼琴的角色受限。話又說回來,這是1960年代的演奏,正是一批批獨奏家開始綻發光芒的年代,對於「樂器之間對話」的室內樂觀念與今日有所出入,可以想像。

那麼,她的巴洛克曲目能不能撐場面?維拉契尼的奏鳴曲(CD6)在當時應不算是刺激票房的曲目,她是如何掌握的?錄音動態縮減得明顯,幸而還能聽出Luzzato的斷句,儘管分句偶見曖昧,不過她替不同樂句分配不同表情,也讓音樂在質樸中多了幾分靈巧;搭檔Antonio Beltrami的伴奏此時也屬允當,兩個人很有默契地製造旋律「節點」,把可辨的旋律線當成一個單位,然後很流暢地連結起來,音樂性讓人相當享受。如果聽到目前為止覺得「刺激感」不足,請聽她的居家練習錄音,包括幾首協奏曲的獨奏部份練習(CD7),相信她的爆發力會令人意外。

把音樂味燉出來。

再提一個有意思的地方,請聽帕格尼尼的第五號奇想曲(CD6),這套錄音有一回半分鐘的試奏與兩回全曲錄音,可以聽到試奏與正式演奏之間微小的差異。試奏只有樂曲的開頭段落,給人印象很好,接著聽完正式錄音再回頭聽那半分鐘試奏,不料竟顯得「平」了?

開頭段落是挑戰高把位的華麗A小調音階,從低音域的A到高音域的A-C-E-A,音域每往上跨一步,就會下行返回原先的A音,Luzzato與別人不同的是她很重視一共出現六次的低音域A音,每次都極有耐心地使這個音符時值漲飽到最大值,才演奏上行音階,就是這種細膩(或直覺?)使正式錄音比試奏添了一分魅力。太多演奏都將這段處理得火光四射,對高音域A-C-E-A與琶音著墨甚深,但Luzzato對細節嘔咐醞釀的態度讓低音域有了底氣,更加襯托高把位的奔放,音樂表達聽起來便非常完整,儘管時有漏音之虞,那也屬於真正的瑕不掩瑜了。

這是個人的年度歷史錄音推薦重點——歷史錄音除了有「認識某個年代演奏風尚、認識稀有曲目」的文獻意義,還有「挖掘好演奏、找到對味演奏家」這番互為表裡的聆賞樂趣。Rhine Classics的努力,希望有更多樂迷聽見。如果您聽了這套錄音後也認同這廠牌的品味,相信其發行的Aldo FerraresiAlfonso MosestiJascha Heifetz會帶來更多驚喜。稀有的版本、奇妙的組合、冷門的曲目,多個願望一次滿足。

除了本回介紹的盒裝,Luzzato留世錄音還有這套2CD,同是相當精彩的演奏。(唱片編號:Meloclassic MC 2026

2017年4月24日

推薦.Beatrice Rana

用老靈魂料理音樂

十年前,為了去吃地道的義大利菜,也為了觀覽幾個旅遊書上看到的山城與一些名勝古蹟(順便把手放到真理之口裡),在義大利遊蕩了三個星期,把大學時期所有打工攢積的錢一口氣花個精光。當時最後一站是羅馬,原本預期最震撼的是競技場,殊不知印象最深刻的卻是抵達羅馬那天,一陣暴雨的九月午後。那午後雨勢真是突如其來,在火車上看起來僅是陰日曇曇,一出車站才發現什麼叫烏雲密佈,光線快要無法穿透雲層;搭上公車前往旅館途中,雨水傾盆而瀉,只看到附近斜坡有片石牆殘跡稍微顯眼,在暗沉溽濕的街景中透出乳白色。放晴後,我便繞去看那斜坡上的石牆,這時陽光剛好側著貼上牆面,從約一百公尺外看去,牆面呈現像是玉的色彩,趨近去看,便大大訝異於那色彩原來是乳白混著土黃色的石頭、牆面光線及孔隙間陰影的奇異調和。這樣的石材運用是偶然的嗎?

回台灣後查了一些資料,依然不明究理,只知道義大利雷契省出產一種喚作雷契石(Lecce Stone)的石材適於建築,說不定那牆面用了這種材料吧。這回介紹的新銳鋼琴家,剛好來自義大利雷契省,巧的是,她的演奏也讓我感到一種奇異的調和。在描述她的詮釋之前,先簡單表過我對她的看法。

定位。

這位鋼琴家的演奏當然很好,除此之外,她在樂壇中的「位置」也許更為重要,這個位置指的不是排名、聲望,說不定連她自己都沒特別意識到。

首先是地域上的。南歐素以聲樂見長,尤其是義大利,然而一旦提及鋼琴「學派」,實在很少聽到有樂迷衷情於所謂「義大利鋼琴學派」、「義式鍵盤音色」等等。到底是否存在系統性的義式教學或鋼琴表現手法?我只能說實在不知道。不如換個角度說,老一輩的義大利鋼琴名家有哪些?Arturo Benedetti MichelangeliMaurizio PolliniAldo CiccoliniMaria TipoDino CianiSergio Fiorentino,還有呢?與俄、德、法、英、美等地相比,同樣是古典音樂大國,但光看錄音角力,上個世紀的義大利好像還真不是特別出產鋼琴名家的地區?後來義大利確實是有好些頗具實力的鋼琴家,但是名氣鮮少遠播到東亞,以下姑且列幾個名字:Alessandra AmmaraRoberto PlanoAndrea LucchesiniGiorgia Tomassi…等,現在得加上一個更年輕的名字,就是文章主角,Beatrice Rana

接著也要注意商業上的定位,同樣是新銳鋼琴家,資源豐富的DG簽下許多明星自不待言(蕭邦大賽那幾位紅牌之外,Jan Lisiecki值得繼續關注),Sony最少有Khatia BuniatishviliIgor LevitLucas Debargue三員大將坐鎮,Decca旗下則有天才型的Benjamin Grosvenor,而慧眼過人的小廠(如Harmonia MundiHyperion)總是擅於挖掘潛力股,不勝枚舉;在這環境下,Warner就算整併EMI,在「新生代」鋼琴家這塊,也只能說強敵環伺啊!所以,Rana對華納來說無疑是塊寶,就看要怎麼經營了。

簽約華納前的錄音。

Rana簽約華納之前的二張錄音讓人聽見她的老靈魂。她的首張專輯由加拿大品牌ATMA發行,接著是2013HM發行的第十四屆Van Cliburn大賽現場錄音。這兩張都是我「原先放錯重點」,然後越聽越喜歡的錄音。首張專輯我原本把重心放在史克里亞賓的奏鳴曲,沒想到整套蕭邦前奏曲是處處驚喜;再說比賽現場錄音,還以為賣點會是拉威爾那套夜之加斯巴,怎知巴爾托克與舒曼彈得更是絲絲入扣。

Rana的出道專輯。光就技巧層面,不能說已臻至成熟,但一出手就大膽挑戰蕭邦全套前奏曲,還挖出箇中的精緻面向,實屬不易。(Atma ACD22614

舉幾段音樂吧,先講她的蕭邦前奏曲:第二號的演奏不但顧及譜面,當音色變化配合樂段分節、配上微小的速度彈性,讓伴奏聲部在有限的音域中彈出意境,很不簡單;第四號也有很別緻的速度構想,使曲子哀怨而不濫情,弱音安排與漸慢處理令人無話可說,尤其是大膽把第十二小節(正是曲子的二分之一處)拉到近乎兩倍長,做出譜面沒寫卻非常合理的戲劇效果;不知道是不是出於其直覺,第六號的長句法她並不刻意琢磨鋼琴的歌唱音色,而是用強弱與聲響厚度的層次去堆疊樂句的吐息,曲終時音樂線條慢慢沉沒消融,有獨特的美感;第十四號,一般的演奏會強調左手聲部的吞噬效果,她的演奏帶出右手聲部的搏鬥樣態,達到微妙的平衡,使樂曲的陰暗面不誇大放肆。綜觀整套前奏曲,雖然這不是我最愛的版本,但論詮釋用心,Rana有許多細節處理值得參考。

范克萊本的比賽實況錄音舒曼詮釋在水準之上,而巴爾托克彈得叫人驚豔不已;憑這種表現奪得銀牌與觀眾票選獎,名實相符。Harmonia Mundi HMU907606

要聽她在鋼琴上的歌唱感,舒曼的交響練習曲可作示範,不妨先聽第十一段練習曲的旋律線,再回頭聽第一段練習曲,會發現她對主題鋪陳拿捏得四平八穩,不同音域的旋律有著各自的情懷。聽了她的舒曼,不免懷疑:這樣的演奏家放得開嗎?請聽巴爾托克戶外組曲的第五段(狩獵),琴鍵奔放撞擊,速度感強烈,把已經夠緊繃集中的音符更加白熱化,同時音樂還是維持著高度統一感,非常有膽識。關於這份巴爾托克錄音,還想再碎唸兩句,它就像分子料理,雖然霎那間分不太清楚品嚐到的細節到底是什麼,但總有一兩個吸引人的味覺焦點;要是嫌這組曲的音階太艱澀嘈雜,不妨試著注意鋼琴強音喧嘩之餘,Rana如何串接弱音音符、如何把第四段(夜間音樂)彈出搖曳晃盪的戶外情景、如何一面接續第二段(船歌)又同時遙遙呼應著拉威爾的夜之加斯巴。

重新感動一次。

如果說前兩張初試啼聲的專輯已經給人注意到Rana卓越的音樂性,那麼近期的二張華納錄音確實能夠見證她漸趨成熟的鋼琴技藝。她簽約華納的第一張專輯是協奏曲,與Antonio Pappano共演柴可夫斯基與普羅高菲夫。原本不大看好這對組合,不料已經被彈到幾無新意可言的柴可夫斯基第一號鋼琴協奏曲,硬是踏出個精巧與爆棚兼具的路數,必須一提。首先要特別讚許樂團部份,這才是這份錄音真正讓人意外的地方,此類名盤如林的曲目,獨奏家表現出高水準是合情合理的,反倒要聽聽指揮怎麼揮灑調度,看看樂團怎麼配合、映襯獨奏家的氣質。

加盟國際大廠的第一張專輯就用協奏曲打頭陣。實際聽來,自信又流暢。對了,第三樂章的鋼琴表現會難倒不少擴大機。(Warner 2564600909

PappanoRana的支撐到位,管弦樂器各自延展,讓我對他大大改觀(原本對這位指揮很少起共鳴)!您心中有哪個版本最能展現管弦樂的美感呢?無論最喜歡的是穆拉汶斯基、托斯卡尼尼、卡拉揚,還是萊納是否都會聯想到磅礡熾熱的大編制快感呢?Pappano不是不給動態,但並不流於誇張,更多時候是在呼應鋼琴的運音,更值得注意的,是弦樂群呼吸中密密麻麻的強弱變化(尤其突強突弱)做得非常到位,加上節奏轉換細膩精準,使音樂愉悅地流動起來,真是要稱讚他的手法。從那老掉牙的第一樂章序奏就讓人聽見掌握樂團的功力,著實不簡單。樂團支撐良好又不搶戲,聆賞鋼琴獨奏部份就一點都不吃力,而且還會聽見整首協奏曲原來有許多節奏的脈動是鋼琴與樂團彼此配合完成的。Rana的彈奏渾然天成,聽來自信、投入又流暢,是新一代好手中不落俗套的詮釋,縱是這般通俗曲目,還是有辦法讓我重新感動一次。

就技巧講,Rana毋需靠著擺弄怪異聲響吸引注意,她始終維持著漂亮的音色,讓整部鋼琴從低到高的音域都能均勻地響著;這種音樂性讓人不禁聯想到一些傑出的鋼琴家,譬如老一輩的Walter GiesekingOleg Boshnyakovich,隨手從二位老大師的錄音中摘出片段,俯拾都是美麗歌聲,Rana的演奏也讓我留下了這種印象。她的魅力在最新發行的郭德堡變奏曲中更是一覽無遺,去年以兩回篇幅介紹這套曲目,如果當時就有這份演奏,也一定會是我強力推薦的版本,巴哈的老梗曲目能彈得像她一樣可不容易。

奇異的調和。

她的巴哈演奏寓明晰均衡的色彩以熱情,體現了鍵盤獨奏的奇異調和。滑溜的矯飾、削銳的觸鍵、作態的起伏,一概不存在;細聽之,審美核心落在彼此浸潤的階調中,如是趣味多多少少需要聽者靜下心慢慢體會。她的雙手操著不同的層次,聲部獨立性極高,還有對樂句歌唱的拿捏,如同前述,其拿手好戲是維持韻律進行的同時還有餘裕營造各組音符的微小波動速度也是維持在「聽得清楚、彈得清楚」的限度上,而節奏感有時甚至近於即興,但線條漫漫,又反而讓音樂靈活自然再說就抽象了,不如用錄音檢視其演奏細部。

我就是特愛她毫不掩飾的鋼琴化傾向,從巴哈到克萊門第皆然!年方廿三,就帶給樂迷如此精巧的巴哈演奏,可以讓人一口氣聽完,絕不無聊、難以取代。她用上各種方式使鋼琴吟唱起來,其豐美必須親耳領略。希望華納未來能夠持續栽培這位鋼琴家。(Warner 9029588018

按我想法,她在首尾二次詠嘆調主題展現出的風範比許多版本的炫技段落還要迷人,強音弱音各有階度,控制得巧妙,真讓鋼琴產生了吟唱的感覺,只要對上合適的琴,不難感受到Bel Canto深埋於文化基因裡。她不只能讓鋼琴唱得美,要精實衝鋒也不在話下,第五、第廿段變奏盡顯颯爽(第五段變奏猶如雙手對舞,第廿段變奏是雙手共舞,聽得是耳不暇給),她只消把彈奏巴爾托克的勁道收斂些,這不成問題。要感受Rana的投入,也得聽見她於複音線條觸鍵對比下的苦功,好比第七段變奏左右手對唱且搖晃著,不僅勾勒了可親的樂句,更似相互傾吐,穿插極多的輕重變化,當手指驀地彈跳,更勾起鮮活的尾韻——光這段變奏我就連續重播了至少二十次,實在覺得有好多挖不盡的細節,觸鍵每每言之有理,彷彿這些處理方法早已流在她的血液之中。再講一個可愛的地方就好。第十三段變奏的第二段反覆,會聽到Rana「忍不住」要加上花腔的衝動,既有音群的顆粒感、華美的聲部線條,亦營造微微孱弱的歌唱效果,這番演奏真夠精彩,這份錄音最特出的就是她竟然能這樣以鋼琴模擬人聲,真有見地。

鋼琴在她指下,猶如聲帶的延伸,時常飽含連貫的歌唱感,秘訣是什麼呢?反覆聽著Rana的錄音,我想到一句話,應該是北大路魯山人說的吧?大意是「所謂料理,不外乎探究食材的合理性」。聲部平衡、音色對比、力度漸層、韻律感等,是Rana的獨門做法,而巴哈的譜就是食材;像這樣讓樂句順性開展、讓音符的抑揚頓挫合於情理又自成一格,實在是最上乘的音樂料理了。Rana悠遊自娛於黑白琴鍵之間,在我心中屬於天才型的演奏家(天才知道她練琴究竟多艱辛),希望未來可以繼續感受到她對音樂的愛,最後就用幾個問答結束這回稿子吧!


問:這樣說也許很突兀,但不得不說,你的演奏挖掘出音符的潛力,讓我聯想到雷契石;我想問問,你的文化背景與演奏之間有什麼關聯呢?
答:在回答這問題之前,要先謝謝你這番對照!我一直都很愛太陽映照在雷契石上的光彩,我也很開心我的演出能令人聯想到這樣的質地。毋庸置疑地,我的文化背景啟迪了我許多關於的音樂想法。南義大利向來以熱愛歌劇、美聲唱法著稱,而我總是探求這種極為開闊且戲劇化的歌唱效果;有時候(尤其是德奧的浪漫派曲目)我甚至得與內化的音樂直覺拼搏,但這確實是我音樂性格中非常重要的一部分。

問:你喜歡怎麼樣的鋼琴呢?
答:好鋼琴,就是不會限制我想像力與靈感的鋼琴。我喜歡豐滿、輝煌的聲響,要能兼顧極弱音與極強音的表現——尤其是與樂團一起演出時。

問:以最新這張巴哈的專輯來說,你用的鋼琴有哪些地方吸引你?
答:那是台非常美妙的「Hamburg Steinway」,為Teldex Studio Berlin所有。我非常喜歡其聲音質感,溫暖與光澤兼而有之,是一台能讓我好好發揮的鋼琴。

問:能不能聊聊這張專輯的錄音師?
答:這張專輯能請到Jørn Pedersen監製、錄音,真是有幸。他不僅是錄音,更是敏銳的、品味出眾的音樂人,技術層面沒問題,麥克風擺位也不在話下,這張專輯能呈現得這麼好,真是要多謝他鼎力相助。

問:你會怎麼描述你的風格?
答:我想我無法「描述」自己的風格,也許那難免流於劃地自限。不過我可以說我對詮釋的原則,最要緊的是真誠:對自己真誠、對譜面真誠、對觀眾真誠。

問:巴哈的鍵盤音樂與柴可夫斯基鋼琴協奏曲中的炫技段落非常不同,對於這些段落,你的想法是什麼?
答:炫技目的在於「凸出某些效果」,那些「困難的音符」正是要達成那些效果的手段。換言之,炫技是外顯的,這些段落有其潛在的層次。

問:你會希望聽眾在錄音中感受到什麼特點嗎?
答:我不會特別指出哪個東西該怎麼聽,音樂最棒的一點在於聽者可以享有各式各樣的詮釋自由;但是我會希望聽眾能將聆聽郭德堡變奏曲視為一段有意義的旅程。

問:從這張巴哈專輯中,有哪幾段音樂你會特別想挑出來分享?
答:如同前述,我不習慣以我的觀點去影響聽者。不過,變奏曲裡面有幾個「轉捩點」可以提一提。第十五段的小調變奏像是冥想,回顧著目前為止的音樂樣貌;再來是第廿五段變奏,一如Wanda Landowska說的「黑珍珠」,是有著憂傷與刺扎的宇宙;最後則是尾聲重現的詠嘆調,徹底翻轉了前頭三十段變奏的感受。

問:有計劃造訪台灣嗎?
答:很可惜,目前暫時沒有,可是很希望能早日有機會造訪,聽說台灣的人事物都很棒尤其食物!