2017年6月9日

測試.Fidelix SH-20K

Fidelix SH-20K

最近評測器材時,把這「庫藏老物」搬出來試,同樣是先前到日本出差時偷閒去淘回家的。值得一提的是,我手上這台聲音完全正常,整體外觀保養也很好,只是因為外殼有明顯凹陷變形,二手價格就打得頗低,可見日本玩家對於中古品相要求之高。(相關文件掃描附於文末。)

用它聽熟悉的測試片,高音觸鍵多了一絲寬鬆,音場也開了一點點,沒想到1994年的調音器材還真能派上用場。它的完整名稱是Fidelix SH-20K Natural Spectrum Harmonator,姑且稱之為「諧波產生器」吧。

這「諧波產生器」是啥玩意兒?請想像它是發出超高頻訊號、彷彿把CD變成「準」高解析音樂的調音器材。這樣說依舊讓人摸不著頭緒對吧?其實我一開始看到產品說明的時候,也確實想了一下才懂葫蘆裡賣的究竟是什麼藥。

嗯…另闢蹊徑的高解析?

Fidelix SH-20K的內部線路有歐美日韓等地的專利保護。另外,就算真想抄襲,也很難完全照抄,因為關鍵元件的型號都被磨掉了。

超高頻訊號與高解析的關聯在哪?先說高解析。高解析是數位領域的事情,它有兩大關鍵:「高於16bit / 44.1kHz的資訊量」與「噪訊處理」。過去發燒友的印象主要停留在「密度更高的資訊量」,也就是提高取樣率或數位運算差補,而現今的發燒友越來越體認到高解析格式不僅資訊量的問題,它也必須同等重視噪訊處理,姑且不論各家手法差異,更高的解析度便意味著數類轉換時的噪訊會提到更高的頻段,也就是對聽覺範圍內的影響更小,提升音質。而Fidelix SH-20K的設計原理竟然不屬於上述範圍,卻也能仿生超高頻訊號,又是怎麼回事?

進入CD時代後,人們開始反芻聽覺經驗,因為CD與黑膠對比是聽得出差異的。儘管CD規格是建立於聽覺上限大約在20kHz的科學基礎,但1980年代開始有研究認為人耳會受到更高頻率的影響。意思是超過20kHz的單音是聽不見的,但聽不見的高頻還是會影響聽覺範圍內的聲波,據原廠查找的文獻所說,90kHz以內的頻率都會影響實際聽到的聲音。Fidelix這款產品的發想奠基於此,工作原理是「先偵測訊源輸出的6k-20kHz音頻訊號」,再利用振盪器產生相應的超高頻訊號,頻率範圍從20k-120kHz,目的是追求更好的音色、質感、空間感。

原廠概念有其道理,此處摘要分享:人們以為是樂音成份的極高頻,其實到了20kHz以上,就趨近於隨機的高頻訊號!樂器的頻譜表現本就相當複雜,加上弦樂的抖音、撥弦或擦弦的雜音,乃至管樂的吹奏氣流、鈸等金屬樂器的不規則泛音,還有合奏的音高差異,在在影響著高頻頻譜的複雜度,泛音根本不像我們想的那麼規律。就像自然界中聽起來舒服的海浪聲與風聲,頻率組成也是無規律可循的。礦泉水比蒸餾水好喝,最重要的是有那「雜質」;在重播音樂方面,當頻率高到無法辨識,「超高頻訊號之有無」會比「超高頻實際上是多少赫茲」更為重要。

諧波,殘響,好聲?

不僅有想法,Fidelix還有個秘訣,就是SH-20K產生超高頻(請想像成模擬自然的「豐富泛音」)後,會有2.2毫秒的延遲,模擬音樂共鳴的殘響「餘韻」,這也是優化聽感的關鍵設計。如果說現代高解析格式是盡可能忠實保留資訊量以求聲音清晰厚實,那麼這款調音器材就是以獨門手法帶出偏向圓潤軟質的類比風味。這完全是另闢蹊徑的高解析音響產品,原廠認為有使數位聲更加纖細圓潤的效果及提升餘韻、空間感。對了,這技術當年取得美國專利,日本其他廠家不得模仿,不知道這專利保護有沒有年限?

乍看下,您可能以為SH-20K屬於「差補運算」範疇的產品,其實並非如此,因為它不是靠增加數位訊號來達成高解析的目的,而是直接發出超高頻類比訊號,摻入原本訊號中,甚至可說是噪訊!雖然感覺起來挺不衛生,讓人非常擔心聲音是否會變得既濁且噪,也擔心相位問題,但聽覺心理實在複雜,不得不承認,我還滿喜歡微調後的聽感哪這用在訊源與擴大機之間,也屬音質改善器的一種,要是您的系統已經有了真空管音質改善器或音頻變壓器,追加SH-20K時最好試試看接在哪部器材後面效果較佳(因音頻變壓器本身有頻寬限制,易濾除超高頻訊號

如果您也有機會接觸這樣的產品,有幾個試聽方向僅供參考:首先請直觀感受音質有沒有差異、有沒有劣化;接著請聽聽看撥弦類樂器(吉他、曼陀鈴等)的清澈感與肉感是否維持住。都沒問題的話,再請用女聲、提琴、鼓的樂段輪番測試聲音密度、真實感,最後則是請感受看看,加上這種調音器材之後,堂音飄散營造出的空間感如何。

20kHz以上真的有差?

我的聽力上限大概落在17k-18kHz之間,測試過很多次,18kHz以上的單音是肯定聽不見的,所以,要是單獨聆聽20kHz以上的「聲音資訊」,難以產生特別的、可辨識的「聲音意義」,然而超過20k的頻率區段,還是能讓我感受到可聽聞頻段的變化,相當有趣。如果您對高解析格式沒興趣,不妨想想二聲道系統的超高音單體,還有,為什麼現在的耳機規格都會做到20kHz以上呢?聽不到的極高頻是否影響音樂重播的光澤、水分、細緻感?Nelson Pass曾說,人耳雖無法聽到20kHz以上的頻率,但20kHz以上頻率的延伸滾降卻會影響到20kHz以內的相位失真與頻率強度。總體來說,超高頻是有其價值。

再次回到先前的觀點,人耳有辦法感受20kHz以上頻率造成的差別。考慮超高頻需要綜觀聲音再生的全頻段,20kHz以上的用意不是要聽者去分析「超高音能聽到多高」或者「超高音部份聽起來如何」,而是「人耳可辨範圍外的高頻訊息越多,越會影響人耳原本就可聞的頻域」,頻段分佈與量感都會直接反應在聽感上。舉個實例來說,小提琴、豎琴、短笛等樂器的高音泛音會落在極高頻段,若那個頻段的泛音越紮實,自然就是把樂器的音色給「補完」了;而各種原音樂器與人聲在錄音時的高中低頻是同步存在的,再生時如能有恰當比例,便能優化人聲與樂器的音色以及空間描繪,還原錄音中的細節,音樂再生的細膩質感正是由此而來。

問題來了:假設擴大機的頻寬只比20kHz多一些,比如只有25kHz,訊源加上諧波產生器的效果不就還是被「攔腰截斷」了嗎?不如反過來猜想,一般訊源不大可能處於完全的線性工作狀態,一般器材都在高音有所滾降,再考慮到聆聽者的人耳老化,如果是越接近20kHz,訊號清晰度離理想就越遠。諧波產生器多多少少能夠把凹陷的區塊填回去,用獨家的理論「填補」波形,就算擴大機從25kHz一刀切斷,那也比原本訊源輸出的訊號多了一些量感與「色彩」;當然,現今的擴大機頻寬都有一定水準。

這次器材邂逅,一方面證實Fidelix SH-20K有其效果,另一方面也說明了人耳聽感的趣味。說到底,音響與耳機好像也就是這樣才好玩吧?最重要的正是「好玩」二字,兜來兜去,哪怕只是一點新的心得也好,要能持之以恆地探索下去,就是要保持這個「玩」心吧。從探索器材中體悟新的趣味是非常重要的一環,能調出自己喜歡的聲音、認識不同的產品與不同的重播觀點,還有什麼比這更好玩呢?最後附上文件掃描檔案。







耳機.Beyerdynamic Amiron

Beyerdynamic Amiron

先前曾介紹過Beyerdynamic兩款耳機,分別是T1二代與T90,這回不妨閒聊該廠新款耳機Amiron…它屬於很難調聲的耳機,聲底很不錯,但要挖出潛力得費點心思,坦白講,這是我碰過最難搭配出平衡感的Beyerdynamic耳機(搭配器材與方向後敘)。

摸不透原廠究竟怎麼定位——不少玩家原先認定AmironT90的後繼家用機種,然而實際聽來又不像那麼回事,或許是為了召喚過去忽略的耳機玩家族群,它的聲底傾向著重中頻下段。雖然還是好聽的耳機,但會讓人對這個品牌的調音風格有所改觀,這款風格轉向的新作品與先前寫過的二款Beyerdynamic耳機在聽感上有什麼區別呢?習慣此廠明晰聲底的玩家在親耳聽過Amiron之前,應該很難想像吧?如果說它與T1二代是「大異其趣」,那麼與T90就是「南轅北轍」了。

外觀上得稱讚金屬網格的配置,相當搶眼。另外有一點很妙,這款耳機到處標著「beyerdynamic」字樣,幾乎從每個角度都能看到…

讓人完全改觀的調音風格。

首先以T1二代為對照組,與旗艦款相較,Amiron的分離度、形體比例都有水準,頗見穩重,但再細聽,Beyerdynamic慣有的清亮廣闊不見了、音場寬度也確實略遜一籌,取而代之的是拳拳到肉的飽滿聲響,人聲貼近耳朵,個性鮮明;若您喜歡聽搖滾樂、世界音樂、流行樂、爵士樂,這耳機會對胃口。綜合評比下,它的實力當然輸給旗艦款,但完全對得起它的售價,對我來說,最大差別在於高低兩端的比例配方。三頻分佈不同、個性不同、吸引的用家自然也不同。

這張「Samba Club」的主角雖然是山本剛與鈴木勳Donald Bailey的藍調口琴吹得那麼好簡直搶盡鋒頭,而且用Amiron聽,還真是挺爽的。KING RECORDS KICJ 2295

這麼說來,與T90比較呢?主要用三張參考軟體:伍佰的「釘子花」、鈴木勳的「Samba Club」、Antje Weithaas的貝多芬弦樂合奏專輯(AVI 8553226)。

Beyerdynamic的耳機總是能給我帶來一次又一次的意外,這款Amiron的調音取向會打破您過往對這個牌子的印象,原來它也能這麼熱情、豐滿、集中。

這裡不妨先說結論,AmironT90幾乎可以說是互補的。看它加厚的耳罩與框體,應當有輔助低頻之效,而實際聽來,低頻並不氾濫,貝斯、鼓的份量足,爽感夠,開得比平常大聲,仍然不躁不亂,是好耳機耐聽的表現。

當然,以T90為對照,一定要試試合奏曲目。因為T90詮釋中大編制音樂的時候,會顯得稍稍緊迫,所以聽合奏錄音,可進一步辨別兩只耳機的特質差異。T90給我印象很深,以其直截靈敏,小編制駕馭能力拔群、高頻亮麗,空氣感尤其鮮明(鈸、短笛、小號等),活生感與透明感強,可惜就是樂團齊奏處容易聽來偏薄,非常可惜。


相較之下,Amiron雖少了那分刁鑽靈動,但勁道威猛,播放樂團合奏時虎虎生風,而小編制唱起來也同樣立體、富有力道,兩只耳機形成很有趣的對照組,Amiron就是穩重,Weithaas專輯中的弦樂能雄渾地展開,喜歡從耳機聽見大場面大氣勢的發燒友可從中得到滿足感。大致說起來,它的特質是頻段分佈偏向中低頻,並強調厚實飽滿的表現手法,所以個性與「監聽風味」相去甚遠,相信耳機玩家能想像出那種感覺,此處不再多加著墨。

用蕭邦與伍佰尋找搭配方向?

目前得到的結論是此耳機下盤豐潤有力,搭配方面,自然要先注意避免下盤肥厚,需要收斂它那不小心就會太顯澎湃的低頻,追求低音域樂段再生的質感得以清晰舒適的樂器輪廓為目標。光聽前面那幾張專輯當然不夠,於是追加一張蕭邦的夜曲交叉測試,我選了Brigitte Engerer的版本。


Amiron使她演奏的蕭邦生出重量感與規模感,音響效果出色;有的人會誤以為Engerer的音色略薄,其實並非如此,她的觸鍵是「重得恰到好處」,在低頻不穩固的器材聽起來難免產生誤會,如用這耳機聽,就能體會她懂得拿捏分毫的巧妙。硬要挑毛病的話,那就是高頻飄逸感與晶瑩剔透感還未臻極致,我對這耳機的調聲期許是「要能唱出伍佰編曲、混音、歌聲的細節,更要唱出蕭邦夜曲高音觸鍵的晶亮」,雖然貌似有點嚴苛,但值得嘗試。

出發點是讓低頻的比例下降一些,於是大膽放手搭配中頻高頻表現出色的器材或線材。化約地說,訊源中高頻要細膩、耳擴聲底要乾淨(低頻亦不宜濃厚)、訊號線要注重高低兩段的刻劃能力(甚至有華麗音染也無妨)、其餘想強化的部分可再交由電源線微調。根據手邊器材,最後的搭配結果是訊源用Yamaha CDX-10,輸出給RCA音頻變壓器MI-11713,再進到耳擴Perreaux SXH2,線材方面混搭了SiemensSuhnerWE等不同個性的線。


最終總算是基本達成要求,除了鋼琴高低音觸鍵的美感,聽伍佰的「釘子花」、「放浪舞者」、「種子」,每一軌的每一部聲線也都解析得更清楚更紮實。對了,如果想讓它更圓潤細膩,請多嘗試耳擴組合;如果是想再把空間感撐出來一點,除了耳擴,訊源也必須勤加試聽。

2017年5月26日

出土.Wanda Luzzato

音樂是門藝術,它講究文化與情感的多面向體驗(只說「天賦、悟性」會引起錯誤的想像),自然需要時間積累——演奏者需要時間磨練技巧、聆聽者需要時間消化理解。「時間」在音樂裡有很多種體現的方式,除了前述微觀的個體經驗,也有宏觀的歷史角度。一方面我們必須理解樂風、樂種需要時間才能育成,一方面也得承認許多音樂作品乃是隨著時間砥礪出其價值,經過幾個世代反覆琢磨、考證、引申出新的意含,以使所謂「詮釋」增生出不同層次。換言之,今日我們對於音樂的理解,是逐步演化過來的。

就音樂聆賞來說,聽眾可以直觀地感受,也可以藉著一套美學系統(例如和聲)達致更深層的、更強烈的審美快感,同時,「對於演奏方式的考證」本身亦是學習聆賞的脈絡。聽覺經驗是如此一層層疊加的,而歷史錄音的價值也基於如此理解而豐盛了起來:它紀錄了演奏者的風格、特定的詮釋手法、現今罕有演出的曲目等等,在某種程度上也一併側寫了某個年代的演奏風潮與當時錄音設備的性能。

這套8CD盒裝應該是目前最全面的Luzzato錄音集成,她的室內樂讀譜功力值得玩味,留待樂迷細細品嚐。(唱片編號:Rhine Classics RH-002

這回要聊Wanda Luzzato1919-2002)的盒裝唱片,首先簡介推出這套唱片的廠牌「Rhine Classics」,即是本地樂迷知悉的萊茵河堤。Rhine Classics的自主發行企劃專門挖掘秘藏歷史錄音,把一些過去被遺忘的演奏家、演奏曲目、演奏方式重新帶到樂迷面前。目前為止有四套發行,主要音源來自SPLP、盤帶、廣播音源等,就算不講授權問題或四處探訪音源的成本,光看轉錄與壓製就是一筆可觀開銷。主事者做這件事,吃力不討好,坦白說,還很有可能賠錢,不得不佩服經營者的熱誠。(www.rhineclassics.com/pages/future-releases 瞧那未來的發行企劃,不禁要替這廠牌捏把冷汗啊…)

聽見一個時代裡的一個人。

現有四套發行裡,我最喜歡的是Wanda Luzzato8 CD盒裝,錄音年代從1955年到1979年,音源來自歐洲幾個廣播事業(RAISDRRSISRFRTF)與盤帶,雖然母帶大多狀況不佳,但已能夠基本勾勒出這位小提琴家的輪廓。

Luzzato的生涯跨過唱片出版業的初期、鼎盛與沒落,但我不會說她「見證」了影音發展的興衰,從她的活動記述、評介來看,應該不是熱衷於商業發行、宣傳的藝術家,她未受唱片集團牽制(從另個角度說即是較少資源),所以錄音大抵只是生涯發展的一個足跡,不是主力,幸好還有部份傳世。這套錄音年份落在單聲道末期、立體聲前期,同期的商業錄音都有很好的表現,相較之下,從她殘留的錄音品質來推斷,對唱片出版似乎真的稱不上關心。

那是古典音樂正在浪頭頂上的年代,唱片公司不斷地抓緊明星藝人,資源大把大把地挹注在一線明星身上,音樂產業的大師光環是非常驚人的。有產業就有製作,有製作就有包裝行銷,有包裝行銷就有明星那,有明星呢?就有遺珠。Luzzato正是其中一顆遺珠。關於她的故事,有興趣的朋友請參見唱片的小冊,內中記載了許多資訊,包括三歲學琴、五歲登台、和哪些名家合作過…等,如果一一寫來,未免顯得雜亂瑣碎,這裡僅摘一項重點:神童出身的她於1932年參加國際賽事,與另一位傳奇Ginette Neveu並列第四名,也是在那場比賽裡被匈牙利宗師Jeno Hubay相中,爾後收入門下,逐漸走上演奏家之路。

成熟的技藝…?

首先請聽皮澤第寫給小提琴與鋼琴的「三首歌謠」(CD3),其中第二首把抒情效果做足,而旋律收放之間頗得後味。Luzzato很會利用音量起伏與音色對比來釋放有限度的神秘感,就是只有半個月亮的夜裡,抬頭發現星星忽明忽滅的那種神秘感。可是,她偶而也會冷不防突然把情緒灑出來,就像她在舒曼第二號小提琴奏鳴曲第三樂章的表現(CD4)。

我會認為Luzzato技藝成熟,是因為她有辦法表達各種樂句性格,聽過舒曼,也別錯過同一片的舒伯特,相較於舒曼那潛在夜裡的樂章,舒伯特這闋奏鳴曲便像白晝景畫,Luzzato總能維持著光輝又典雅的音色,然而就這份錄音聽起來,難免生出後見之明:小提琴還是佔著主導的位置,鋼琴的角色受限。話又說回來,這是1960年代的演奏,正是一批批獨奏家開始綻發光芒的年代,對於「樂器之間對話」的室內樂觀念與今日有所出入,可以想像。

那麼,她的巴洛克曲目能不能撐場面?維拉契尼的奏鳴曲(CD6)在當時應不算是刺激票房的曲目,她是如何掌握的?錄音動態縮減得明顯,幸而還能聽出Luzzato的斷句,儘管分句偶見曖昧,不過她替不同樂句分配不同表情,也讓音樂在質樸中多了幾分靈巧;搭檔Antonio Beltrami的伴奏此時也屬允當,兩個人很有默契地製造旋律「節點」,把可辨的旋律線當成一個單位,然後很流暢地連結起來,音樂性讓人相當享受。如果聽到目前為止覺得「刺激感」不足,請聽她的居家練習錄音,包括幾首協奏曲的獨奏部份練習(CD7),相信她的爆發力會令人意外。

把音樂味燉出來。

再提一個有意思的地方,請聽帕格尼尼的第五號奇想曲(CD6),這套錄音有一回半分鐘的試奏與兩回全曲錄音,可以聽到試奏與正式演奏之間微小的差異。試奏只有樂曲的開頭段落,給人印象很好,接著聽完正式錄音再回頭聽那半分鐘試奏,不料竟顯得「平」了?

開頭段落是挑戰高把位的華麗A小調音階,從低音域的A到高音域的A-C-E-A,音域每往上跨一步,就會下行返回原先的A音,Luzzato與別人不同的是她很重視一共出現六次的低音域A音,每次都極有耐心地使這個音符時值漲飽到最大值,才演奏上行音階,就是這種細膩(或直覺?)使正式錄音比試奏添了一分魅力。太多演奏都將這段處理得火光四射,對高音域A-C-E-A與琶音著墨甚深,但Luzzato對細節嘔咐醞釀的態度讓低音域有了底氣,更加襯托高把位的奔放,音樂表達聽起來便非常完整,儘管時有漏音之虞,那也屬於真正的瑕不掩瑜了。

這是個人的年度歷史錄音推薦重點——歷史錄音除了有「認識某個年代演奏風尚、認識稀有曲目」的文獻意義,還有「挖掘好演奏、找到對味演奏家」這番互為表裡的聆賞樂趣。Rhine Classics的努力,希望有更多樂迷聽見。如果您聽了這套錄音後也認同這廠牌的品味,相信其發行的Aldo FerraresiAlfonso MosestiJascha Heifetz會帶來更多驚喜。稀有的版本、奇妙的組合、冷門的曲目,多個願望一次滿足。

除了本回介紹的盒裝,Luzzato留世錄音還有這套2CD,同是相當精彩的演奏。(唱片編號:Meloclassic MC 2026