2015年12月28日

Fondamenta,下好離手


自從半年前認識了一位深諳法系錄音的前輩,就開始對「錄音音色」、「錄音質感」留上了心。就音樂演奏上來說,聲音的基本組成要素是「音高、音量、音色」,有趣的是,音色其實最難定義。音高是頻率、音量是振幅,音色呢?物理性共識是「泛音的排列組合」,實際上有一個概念也值得參考:除了音高與音量之外的聲音特徵,都算是音色。(這個概念是簡化美國聲學協會的定義:that attribute of auditory sensation which enables a listener to judge that two nonidentical sounds, similarly presented and having the same loudness and pitch, are dissimilar.)用這個觀點回頭想錄音音色就比較好理解了,當我們說一份錄音的「質感」好不好,其整體呈現的聲響效果、氛圍,都是錄音音色指涉的範圍。主事者對麥克風音色的掌握、調配是個相當大的考驗。

純淨精鍊,近乎直白
本回介紹的新廠牌Fondamenta又有著怎樣的錄音質感?從已經入手的二張專輯聽來,可謂「純淨精鍊,近乎直白」。從專輯聽感來說吧!第一張先聽Tatiana Zelikman演奏的「從庫普蘭到舒曼」(From Couperin to Schumann);當我把片子放進唱盤,想說「先放吧!暖機一陣子再回來聽」,結果第一軌「Les Lis Naissans」的琴音一出來,瞬間就黏在椅子上不想動了。雖然曲名意思是「百合含苞」,但Zelikman用鋼琴彈奏的意境與大鍵琴的寫景效果迥然相異,我彷彿聽見一場獨白:那是用直白的語氣說浪漫的話,語畢之後低聲吟唱。Zelikman的演奏猶如時而訴說、時而低唱,她以史坦威鋼琴交待旋律時不假矯飾,而裝飾音型照樣能自然而然地化入樂句裡頭,尾音餘韻每每飄逸微甜,呈現出「中低頻乾淨紮實、中高頻銀亮細膩」的聽感;細聽會發現,那是用裊裊泛音構築出的音色層次,聲部清晰、聲響亦不含糊,挑不到什麼紊亂毛病。

再說一張。Vladimir Tropp演奏的「俄羅斯演奏會」(Russian Recital),開場就是史克里亞賓的「B小調幻想曲」。這曲的狂野氣息被Tropp抑制了下來,取而代之的是節制且可辨的運音(Articulation),落指輕重分明,沒有脫序的危險。這樣的詮釋儘管有其高雅之處,但我私心希望聽到濃厚狂放一點的個性。有趣的是,即使Tropp對樂曲的詮釋相對節制,但整體聲響效果還是相當豐實的,尤其是琴弦振動感與鋼琴泛音的變化,能透過音響系統表達出來,這錄音果真不賴。再跳到最後一軌說吧,是拉赫曼尼諾夫著名的「升C小調前奏曲」。這裡依舊是強調觸鍵控制力的演奏方式,不過動態與音色對比拉得非常開,聽Tropp捏塑這首曲子的骨架滿有意思,而純粹就音響測試為聆賞重點也是相當有趣:這軌至少挑戰了系統的解析力、暫態反應、兩端延伸,而曲末更要有琴弦「嗡轟嗡轟」的傳真效果。

法式錄音,耳內饗宴
說過兩張專輯,最後聊一下這個牌子。品牌創辦人Frédéric D’Oria-Nicolas自己也是鋼琴家,原來當初他在莫斯科Gnessin Russian Academy of Music求學時,就受教於Zelikman。他返回法國後,兩度回絕唱片公司合約,因為錄音條件不夠理想;之後一次機緣讓他得到金援,有了高規格錄音條件,就逐漸走上自營品牌之路。據聞Fondamenta平均一張錄音的製作成本在20,000歐元左右。Fondamenta這系列出版品還有個賣點,一套2CD,收錄內容完全相同,只是分作Fidelity Mastering」、「Mobility Mastering」二張CD,前者針對音響系統,後者針對行動聆聽,尤其是針對汽車音響。這來自D’Oria-Nicolas的實際體驗,他認為駕駛時享受到的聲音品質是很有問題的,所以就動念從軟體來下手調整。

上面舉的兩張專輯,錄音、後製、混音、母帶處理都交給Nicolas Thelliez(此廠牌目前大部分錄音都由Thelliez操刀),他是法國錄音名家Nicolas Bartholomée的門生。面對兩位鋼琴家指下的Steinway DThelliez如何捕捉微妙的差異?建議樂迷買來聽聽看,耳朵肯定是很享受的;聲響的官能性,在法系錄音師掌握之下,肌理分明,一架鋼琴就夠聽上好幾回。總之,年終推薦,就決定是Fondamenta了!文|周靖庭


Fondamenta FON-1401018 / 古萊茵
錄音時間:2015
演出:Tatiana Zelikman

我要大膽說一句,這是鋼琴音樂愛好者本年度必收的專輯,因為時至今日,這可能是您唯一能買得到的Zelikman錄音。這位鋼琴家何許人也?為什麼要買她的錄音?我注意Zelikman的名字相當久,她是Alexander KobrinKonstantin LifschitzAlexei VolodinDaniil Trifonov等中生代鋼琴名家的導師。記得偶然聽到Trifonov演奏的莫札特「D小調幻想曲」,不禁要想,是誰能調教出這麼靈動纖細的學生呢?更不用說來台多次都叫好又叫座的Lifschitz了。自從知道Zelikman的大名以來,其錄音硬是遍尋不著,所以一直很好奇這位世外高人實力有多高深,現在總算有機會一探究竟!專輯以精彩的庫普蘭起始,後頭海頓與舒曼等曲目的演奏充滿智性,雖然也有淡淡的美,卻不合我胃口,於是重複把前幾軌庫普蘭的詮釋又聽過好幾輪。再提第三軌「La Bandoline」,La Bandoline是一種薔薇科果實做成的護髮露,這個標題由庫普蘭譜曲,再由Zelikman彈出後,已經不像單純的護髮露,同樣與大鍵琴演奏是完全兩個世界;Zelikman彷彿是執導一個老派的長鏡頭,在戴著珍珠耳環的少女背後跟拍,原本只是要拍頭髮與護髮露的細部,最後卻一直把距離拉遠、景深拉長。她呈現的味道就是和別人不一樣。

Fondamenta FON-1401017 / 古萊茵
錄音時間:2015
演出:Vladimir Tropp

當初會知道Tropp名號,也是因為先接觸了他兩位傑出學生的錄音(Ekaterina DershavinaIrina Mejoueva)。Tropp此前錄音散見於DenonChannel Classics,流通品項相當稀少。雖然這份錄音的史克里亞賓少了猛爆的火藥味,稍嫌不夠爽快,但含蓄的手法可以交待這位作曲家很好的旋律織體,在短曲中嘗試尤見效果;於是此輯第二軌的「升F小調夜曲」與第三軌「升C小調馬厝卡舞曲」得到很熨貼的處理。第二軌有著淺淺的幻想氣質,可以感受Tropp含蓄卻迷人的演奏策略;第三軌有著放煙火般的燦爛音效,高音觸鍵爽脆,動態變化恰到好處,好似一對愛侶在煙火下的對話。接下來三軌更短,不過反而襯托了Tropp的演奏張力:他努力展現了「一個樂思擴張成一段長樂句」的過程。連續比較二張獨奏的話,您會發現「幾乎沒聽過現場鋼琴這麼純淨!」很難想像錄音團隊在錄音空間做了多少聲學處理才讓樂器聲響聽起來既線性又自然;原音樂器在現場演出必定受到明顯的空間制約,如殘響、人體吸音、背景噪音等,如此純淨的鋼琴表現還真是要從優秀錄音裡頭去找。Tropp清晰理智的演出與Fondamenta乾淨直接的錄音相得益彰,越嚼越有味。

2015年12月16日

推薦.Bach Inventions × 11


巴哈創意曲,這是套迷人的曲目,跟郭德堡變奏曲一樣聽不盡;儘管起始時教學性質居多,但無損於其豐富可人。曾經寫過二次「二聲部與三聲部創意曲」,一次雜談,一次專輯分享,這次「純粹推薦」,也完全不打算添上推薦理由。

不給理由的原因很簡單:如果您之前大致認同我選片的取向,這次也會相信我的推薦;而若是您尚未接觸這些專輯,實際聽過後至少也能了解我做功課的誠意,頂多也就是口味不合了。

另外,我很少推薦SACD,但是這次的顧爾德盤,確實要稱讚SACD版在音質、密度、水分、光澤等細節皆表現得非常優異,鋼琴完滿感十足,該錄音的2015年最新轉錄發行亦是好物一枚。以下奉上小圖數枚。










記朱曉玫盤:
full of nuance. full of joy.
只要是透徹的歡愉,就是最嚴肅的事情,
而最後雲淡風輕的姿態正是大師風範。
另外,封面設計跟內冊圖片都很厲害。

私心追加Marcelle Meyer盤:
無法忘記第一次接觸她彈的巴哈與史卡拉第,
那演奏直是突破錄音限制的鮮活,靈動透亮,
讓人想起C. Haskil,都是最高等級的演出。
縱使其演奏無法百分之百說服我,
但也只不過是交待速度與我預想的有落差罷了,
又有何妨。
full of nuance. full of tenderness.

2015年11月29日

小眾鋼琴家的強烈魅力(雜談三名)


沒能親臨鋼琴家Plamena Mangova在國家音樂廳的演出,實在可惜,好在Mangova的錄音還能在新天新地買到;這回從她發想,鎖定「小眾/女性/鋼琴家」的交集,向讀者介紹三位錄音不多,但各自呈現強烈趣味的演出者。首先不免要碎碎念一下,小眾鋼琴家之所以小眾,有時不是實力問題,而是機緣問題,可說人在江湖身不由己:即使現在是網路世代,但少了音樂工業適當的包裝、經紀行銷、或藉著錄音推向國際舞台,名聲還是不易炒熱,只能靠區域樂迷口耳相傳。我的想法可能比較食古不化,現在還是認為年輕的古典音樂家要大紅大紫,只仰賴YouTube等平台依舊極有難度,成功案例不是幾千分之一甚至幾萬分之一而已嗎?音樂家與自身活動當地有口碑的錄音團隊或者廣播公司尋求合作,或許是更實際的作法也說不定?例如本地的奇美、美國的Yarlung Records都是不錯的例子,挖掘新生代的潛力股,對主事者而言,其實也帶點伯樂識馬的挑戰吧?

一泓清泉英倫來

想寫這個主題一陣子了,因為我認為有位鋼琴家長期以來被嚴重低估,總算找到機會發揮,這次就用她來打頭陣:Imogen Cooper。生於倫敦的Cooper來頭不小,Jacques FévrierYvonne LefébureAlfred BrendelJörg DemusPaul Badura-Skoda等老一輩名家都提點過她,理應是個人才。但Cooper活動範圍以英國為重心,也許就是唱片推得不夠用力,所以亞洲並沒有特別關注她的討論。

要認識Imogen Cooper,先舉一張Chandos錄音(CHAN 10755),音效大概是Cooper所有錄音中最好的——沒錯,這回專欄介紹的片子都不走發燒路線——這片收錄舒曼的「幻想曲集」與「克萊斯勒魂」,以及布拉姆斯一首「主題與變奏」;透明感與柔和的觸鍵光澤當然讓人信服,Chandos的錄音質地完全襯托這位高手內斂溫厚的個性與綿長的樂句塑造功夫!請仔細聽片中第1/3/4/9/13軌,您會注意到她無時無刻不注意樂器歌唱的美感,竟能連和弦伴奏、對位線條都彈得剛柔並濟,而絕無濫情之虞。內行的樂迷請假設,這樣的特質對上舒伯特會怎麼樣?答案請從華納出的舒伯特四手聯彈錄音裡找(Warner 2564692129)。

熟成芬芳正著時

不妨直言,雖然我鍾意許多德奧作品,但舒伯特的作品對我來說其實特別難「啃食」。一個理由是很少有鋼琴家能同時駕馭它的「直觀」與「拗口」,舒伯特的鋼琴作品裡太多矛盾變換,一旦處理不好,會聽得有點吃力。而四手聯彈還要加上「默契」這個變數,於是更難以找到聲音處理得格外迷人的錄音,真的很難。少數的例外之一必須要提Cooper1978年與同窗好手Anne Queffélec的合作,會讓人很想頒個「把舒伯特彈得好聽又不無聊」大獎給他們。雖然是將近四十年前的錄音,但那台史坦威的甜味可鮮明得很哪!聽此二人合作的舒伯特「F小調幻想曲」,不僅悅耳,起始那股說故事的氣氛也營造得相當強烈,而曲子在中段的對比張力往往是做到八成就收束,可以聽出二人不打算彈得石破天驚,而是要刻意彈成一條溪泉旁徑,人跡罕至,礫塊仍清晰可辨。CooperQueffélec的演奏可謂示範級,不僅速度安排與合奏默契難以挑剔,憂鬱的氣質亦是自然無語,更有用鍵盤對聽眾敘景抒情的能力:聽那帶點懸疑的開場白,好似一個身著深棕色斗篷的神秘客走進深夜酒吧的場景……

英國演員Steve Coogan 2010年有部電影「The Trip」,如果您看過,便能想像Cooper風格予人的印象:陰柔而緩緩流轉,正如「The Trip」那般獨自芬芳的熟成味道,從平淡對白中引出生活痕跡,卻又不顯矯揉造作。真美。

鍵盤上的精算師

第二位要提莫斯科出生的Ekaterina Dershavina,因為是斯拉夫語轉寫,所以也有唱片上寫成Derzhavina。在我手邊「以現代鋼琴演奏的海頓鍵盤奏鳴曲全集」中,聽最多的要數Dershavina版本(Profil PH12037,其實海頓的鍵盤奏鳴曲全集錄音本就屈指可數,要挑到自己心儀的現代鋼琴版也沒多少選擇)。其演奏不是古樂風潮下的結晶,卻可以聽得出來她用現代鋼琴演奏古典風格樂曲的「微炫技」:精細的音色、精巧的韻律、精確的變化、精簡的感性,真可說是鍵盤上的精算師;可以把海頓彈出這番層次,令人佩服。旋律線營造得穠纖合度、左右手配合得響度勻稱,這肯定不是海頓時代的鍵盤聲響,但箇中鋼琴的進退方寸實在自成一格;技巧執行得乾淨俐落,結構拿捏得精準合理,請Krystian Zimerman來演奏全本的海頓奏鳴曲或許也難分孰高孰下啊!

這位精算師錄音也極少,較好找的大概是巴哈與梅特涅的作品錄音。如果再聽Dershavina彈的梅特涅(Phoenix 156),更有種「反向操作」的感受:梅特涅應該要比海頓誇張些吧?結果她的演奏反而比意料中節制,沒有一股腦兒把浪漫往外灑,而是一樣很有層次地交待細節,果然擅於佈局。在每一次摸過去、敲過去、滾過去的手指運動裡,好似聽不見猶豫的餘地,她的演奏從來沒有閒工夫虛晃兩招。如果拿CooperDershavina相比,同樣富於音樂流動感,但前者是用綿延音色帶出明確的旋律導向,後者則是長於滴水不漏的力度與速度調配。她這般「建築能力」碰上巴哈,只有精上加精。最好買的Dershavina錄音,一個是上面寫的海頓奏鳴曲,另一個就是她彈的巴哈「郭德堡變奏曲」,雖然兩個月前才介紹過一張弦樂團改編版,這次推薦的現代鋼琴版保證同樣有滋有味。如果買不到單張專輯,Sony30CD古典樂入門盒裝(Sony 88725452192)恰好收入這錄音,網購售價不到新台幣1,500元,還有許多曝光度低的演出者可以認識,倒也算合理。細節下方再說。

任性不羈一嬌娃

既說海頓,自然就帶到另一位鋼琴家的海頓演出。這位鋼琴家直言自己演奏海頓的速度設定有時根本不管譜面,只管仰賴直覺——她是Daria Gloukhova,剛好是Dershavina的莫斯科同鄉,不過小了十九歲。聽起來好像不是一位嚴謹的鋼琴家?她沒有從小受科班教育,也非來自音樂世家,不過她在俄羅斯樂壇正緩緩起步。聽她彈海頓是很有意思的,速度設定其實不是重點,而是她的演奏彷彿不強調多數鋼琴家關注的「古典精緻」:她不算惡搞、稱不上怪誕,卻很難讓人直接聯想「均衡」的典雅韻味,並非不好聽,只是Gloukhova的演奏脫離了處理海頓時常見的細膩路數。以強弱幅度還有重音變化而言,她的演奏顯得相對即興,不以架構的穩定感為依歸,更強調細節的豐盛;從正面說,認為海頓很「樣板」的樂迷,不妨聽聽看Gloukhova如何翻轉這樣的印象。目前為止,她在Centaur廠牌留下三張海頓錄音,CRC 3268CRC 3302CRC3309,都是越聽越有趣味的選擇,雖然錄音不頂級,但夠傳達出活潑自發的音樂轉折了。像是CRC 3268收錄的海頓「D大調協奏曲」,第一樂章的裝飾奏好像「在模仿貝多芬模仿海頓」,這個譬喻很詭異嗎?聽聽看就知道了!

Gloukhova恣肆挖掘音符的態度恰與前述Dershavina的精算形成對照。還記得第一次聽到Gloukhova彈的莫札特「C小調幻想曲」(CRC 3080),心裡馬上冒出「What the ****」三個字……沒想到竟然有人這樣玩,太挑戰市場主流了吧?那絕對是罕見的「任性」,甚至可說太著重片刻的聲響效果,這種手法很挑曲目,它可以把曲子彈活,不過有危險的代價,一旦灑脫過頭,聽起來便會像是忽視結構;幸好同一份錄音的胡麥爾「第三號奏鳴曲」就吃這套,浪漫到絕對足以讓人忽視技巧上的小失誤,也會感受到Gloukhova慣於營造個人化的聲響。至於莫札特的「F大調奏鳴曲」則是流暢中帶點衝動,有著率真的性感,儘管如此,應該還是會讓初聽的樂迷覺得加太多辛香料吧?不得不期待她有一天會錄製一大串史克里亞賓的前奏曲,並且是把對比拉得很大、讓人喘不過氣來的窒息式彈奏。最後按照慣例,來推薦幾張進階錄音吧!(文|周靖庭)


Wigmore Hall Live WHLive0018 / 雙木林
錄音時間:2007
演出:Imogen Cooper
這片一播就擊中心坎!開場是貝多芬「第廿八號鋼琴奏鳴曲」。這曲子的位置稍嫌尷尬,因為它起始處像是承接第廿七號結尾,開頭寫法有如直接略去前戲,而整首曲子又隱約彷彿第廿九號的試行之作,所以有時受到低估也無可厚非。不過Cooper一出手就賦予此曲恬淡又充滿溫度的感性觸鍵,並不強調貝多芬慣常的陽剛,反讓樂曲開頭的突兀轉化為回憶中一道絕美風景,直是船過水無痕;聲音流動一如往昔地美麗,涓涓滴滴流成一條山林秘溪。前文說Cooper的舒伯特具備示範級水準,而她彈的貝多芬「第廿八號奏鳴曲」展示了兼顧整體與細節的風範,簡直是稀世珍品。只是有個無傷大雅的問題,我總覺鋼琴力道不足,也少了點厚度、規模感,忍不住去信錄就教,而Wigmore Hall負責相關業務的經理Darius Weinberg回應,解決了我心頭疑惑:也許是取自BBC廣播音源之故,錄製時為14bit、有10dB壓縮。難怪;但為此詮釋,值得買。至於後半部的拉威爾與德布西呢?就算不用師承學派等框架去看Cooper,她彈起法國作品也有好味道;原廠官網正好推出此輯的特價數位檔,FLAC16/44.1),只算2.40英鎊,毋需多言:https://wigmore-hall.org.uk/wigmore-hall-live/beethoven-mozart-and-ravel-cd0018


Arte Nova 340110 / 索尼音樂
錄音時間:1994
演出:Ekaterina Dershavina
查了資料才發現,原來1992Dershavina在薩爾布魯根就是靠著「郭德堡變奏曲」拿下了「巴哈國際鋼琴大賽」首獎。從錄音遙想當年,那神采似乎可以捉摸——Dershavina彈起這套變奏曲真是如入無人之境;誇張點說,好像世界上不存在顧爾德版那樣,自顧自地替樂句細細雕琢。雖然K. Lifschitz很棒、A. Schiff很棒、朱曉玫很棒……市面上真的太多太多優秀名盤,但若要我選一張可以代表1990年代的現代鋼琴版,耐聽的Dershavina版應該都會在前三名,這也是我必推薦給資深樂迷的一張罕見盤。縱然乍聽之下有速度稍快的疑慮,但實際聽來絲毫沒有含糊處,反倒顯得緊湊、活力滿滿(別忘了這套曲目本身就有濃厚炫技性格)。演奏細節與整體架構,孰輕孰重?每位演奏者永遠都在兩者之間抓平衡,聽過Cooper的貝多芬與舒伯特,再聽Dershavina的巴哈與梅特涅,我會說前者偏於Top-down的恢弘視野,後者偏於Bottom-up的細微建構。何者才是好的演奏?都是。不用執著評鑑得獎紀錄,相信自己的直觀聽感吧!聽完後會想再聽,就是私房好演奏,如此足矣。Dershavina的手與琴鍵間定有些神秘的化學作用,使我想要再三回味。


Centaur Records CRC 3145/ 雙木林
錄音時間:2010
演出:Daria Gloukhova
原本應該要推薦Gloukhova演奏的海頓,然而轉念一想,還是推薦市面上實體選擇有限的葛利格「E小調鋼琴奏鳴曲」吧!這曲子我目前手邊只有四張比較常聽:PletnevDG 459 671-2)、AndsnesVirgin VC7593002)、Gould80CD盒裝版,以及Gloukhova。姑且不論誰的鋼琴錄得比較好,如果拿Pletnev做對照組,很難不欣賞Pletnev端莊秀麗的彈法,但更難忽視Gloukhova靠一派自然流淌的抒情抓住聽者的魅力,儘管她樂句清晰的程度略欠一皮……這首葛利格作品由她奏來,聽不到「冷冽系」北歐味,只會聽到把雪溶盡的火熱內心;專輯接下來更把浪漫氣質擴張到費爾德的夜曲上,那股濃烈塑造得連貫一體,只能說Gloukhova會讓人又愛又恨,要嘛就是冷眼旁觀她的恣意放縱,要嘛就是一頭栽進去她不斷變換的油門,才能聽出個所以然。有時甚至會覺得她有輕微的躁狂,才會釋放那麼多話語:聽葛利格的第一樂章就好,開頭節奏彈得微微曖昧,似無章法,不過同樣動機第二次出現時,節奏突然明確,主題個性反倒被放大,這樣演奏只能說夠大膽。樂句擠壓得像是板塊運動,鍵盤上的情感,在隆起消逝中不再黑白,只聽一次就可惜了。

2015年10月26日

Brahms: Clarinet Quintet, Op. 115

一曲悠悠正入秋
布拉姆斯單簧管五重奏

要聊聊這首室內樂之前,先提一本書,是國內的單簧管演奏家陳建銘教授所著的「天鵝之歌:布拉姆斯的單簧管作品研究」。這本2012年出版的書可說深入淺出,一來易讀,二來重點明晰,推薦給想要進一步認識單簧管音樂的讀者。

秋色既來

時序入秋,除了不同作曲家的「四季」與眾家明確的標題音樂,說起秋天味道,我特別會想到兩首曲子,一首是艾爾加的「B小調小提琴協奏曲,作品61號」,一首則是這回介紹的布拉姆斯「B小調單簧管五重奏,作品115號」。於我而言,兩首B小調都不寫秋日景色,卻傳達了抽象的濃濃秋意。

布拉姆斯音樂中的浪漫情懷很容易使人聯想他與克拉拉舒曼之間的長年情誼,即使這首單簧管五重奏沒有直接表明它與愛情的關聯,旋律卻在藏不住的纏綿悱惻中讓人感到如秋的心境。此曲作於1891年。這一年3月,近乎花甲、原本打算歇下作曲活動的布拉姆斯認識了正值壯年的謬爾費德(Richard Mühlfeld1856-1907),再度萌發了創作音樂的念頭。彼時布拉姆斯已走過無數風霜,在歐洲樂壇(尤其是德奧區域)也享譽多年,而有過維也納愛樂協會總監經歷的他,說是閱人無數也不為過;能讓已經封筆的布拉姆斯再次燃起譜曲熱誠,想必有過人之處。

1819世紀,當時德奧地區幾首經典的單簧管作品都與作曲家認識的單簧管演奏家有關。在布拉姆斯「挖到寶」之前,最顯眼的要數莫札特與史塔特勒(Anton Stadler1753-1812)、韋伯與貝爾曼(Heinrich Bärmann1784-1847)這兩組人馬。而謬爾費德這位單簧管演奏家還真不得了,他不只讓布拉姆斯在生涯晚期再譜數曲,也讓這位作曲家的好友姚阿幸(Joseph Joachim1831-1907)職掌的弦樂四重奏破例演出(該團體原則上只演出四重奏,此君讓姚阿幸的弦樂四重奏後續破例不只一次)。不過,很難想像那時候究竟是怎麼樣的火花,讓向來深思熟慮慢慢「燉」曲子的布拉姆斯在同年冬季就完成譜曲並首演完畢。究竟是謬爾費德的絕代風華所促成,還是布拉姆斯總算找到理想的樂器發言人,可以助他傾吐內心的濃情?

樂曲基本構成

單簧管與四把提琴究竟構成什麼?先不說別的,至少會構成一場音色遊戲。單簧管是分音區的樂器,並非從高音到低音都保持均質的音色,而是在不同音高會呈現不同個性。而單簧管本身也有分調性,這首曲子用的是A調單簧管,其低音區可以帶出偏濃的音色,對於憂鬱的樂思很能提味。

第一樂章的開頭,和聲行進紮實,卻也旋即在清晰安定的弦樂聲響效果中表達了從沉穩到悸動的木管獨奏光譜。如同前述,單簧管的音色是天生不均質,一把樂器的音色在不同音域間會出現相當程度的差距,可以溫潤地與其他中低音域的樂器融合,也能夠在音域拔高時表現簧片木管的光彩;即使是這首曲子所用的A調單簧管相對內斂,在實際吹奏上,開頭正如陳建銘教授所說:「這首作品的開頭就讓單簧管將這兩種極端的特性都表現出來。一開頭的低音吹出,聽眾可以聽到有個樂器出現但不突出;待稍後音量漸強,又竄到高音時,單簧管的角色就有極強烈的色彩。」不僅開頭精彩,接下來的第二主題變化都像譜記一樣「富有表情」。如果只注意到音符間的圓滑線,大概會誤以為布拉姆斯拋棄了擅長的長樂句呼吸,但若把譜上漸強漸弱的音樂情趣納入考量,那股黏稠的感性已經讓人無法抵抗。再聽那有如喟嘆的音型,簡直欲語還休,布拉姆斯的悶騷熱情在晚年依然不變啊!

第二樂章一大特點在於各聲部之間持續的唱和。一方面強烈指涉布拉姆斯心儀的精緻傳統,一方面也是演奏者無法輕忽的難關;慢速暗流在不同聲部間遞嬗,不只節奏必須精準,唱和之間的延續呼應也很要緊,絕不能為了節奏精準而露出運音破綻;音樂流轉要時時保持和諧狀態,處處是默契考驗,合奏著實難,但一旦合到,抑揚頓挫中只蒸餾出「曼妙動聽」四個字。更不能錯過的是樂句黏斷交錯,越到樂章後段,簡直越是揪著心在譜曲:弦樂波光粼粼之上,加之單簧管幽幽傾吐;也許愛一個人一輩子愛不到,就是這種感覺吧?感性成份、東歐風味、作曲技巧,在第二樂章一次打包完成。

林中有路,一曲深長

第三樂章稍微輕快回來,平衡一下情緒濃度。不過音樂性還是與前兩個樂章呼應,各個部別對樂句同樣重視「承接」,偶而還有微妙的演奏指示:急而不促、且帶感情。音樂的進行逐漸有了緩急錯落的活力,讓簡單的樂思輪迴變化,聽覺上就與無聊脫勾了。這個樂章雖短,但嚴謹中帶點抒情,是非常稱職的第三樂章,間或也會讓人聯想起布拉姆斯一些猶如牧歌的片段。

第四樂章帶點歌謠風味的旋律線是一大特色,不過耐聽之處不僅僅在於旋律的長相,而是旋律如何在變奏手法下平均化入五個聲部之中,把室內樂的骨架給撐了出來;這個樂章有漂亮的變奏本色,讓每個聲部都有長足的表現空間,如同布拉姆斯其他作品,他對於變奏總抱著相當嚴肅深刻的態度。段落分明,情緒的漂移也恰如其分,後段的變奏更在布拉姆斯巧手之下,銜接回第一樂章扣人心弦的主題,填滿整首曲子的血肉。

音樂中紮實的織體與其說是一支單簧管加上四把弦樂,不如說是五把互通有無的獨奏樂器。論及情感起伏或音樂線條、聲部架構,實在無需刻意區隔樂器間的主從關係,這裡的「協奏」意味比較淡薄,細密交織的情感完全體現在樂器應和之間。整曲走過,反覆的小調色彩(不若傳統的調性推移)、每個樂章安靜的收尾、融化在音樂行進中的「向下音型」,一切都有了高度統合。東吳大學音樂系的一篇論文「布拉姆斯單簧管室內樂作品研究」(呂孟穎撰,168頁處)針對這首曲子的綜觀點評顯得十分合理:「這部五重奏不僅只是一部行家演奏的曲目;它還是一部完美構想出來的作品,是一部深情、有計畫並且高品質的室內樂作品」。音樂史家達爾豪斯在「音樂史學原理」對布拉姆斯的一段評語,套在這首曲子上,亦是非常好的註解:「在美學上,他堅定地站在當時盛行的標題音樂的對立面。這並不是說,奏鳴曲式在他手中與其前完全一樣。但是,他所採用的修正手段,主要是為了在已經變化的條件下進行保存——保存奏鳴曲式作為一種大型結構的意義,即它在統一性和凝聚性上的完美。」(楊燕迪教授譯)

專輯搭配四種方向

站在音樂工業的角度,各廠牌發行布拉姆斯單簧管五重奏的「專輯概念」也值得點到。所謂專輯不是錄曲子湊時間而已,它的組成、呈現方式也是購買重點之一。例如流行樂專輯會重視曲目順序編排、爵士樂專輯會重視收錄的Take、古典樂專輯則會重視「Coupling」。如果是一首龐大的長曲子,唱片容量還剩下一點,會有所謂「補白」,但這首五重奏實際演出約3540分鐘,一片CD還有至少40分鐘的容量,就得斟酌搭配對象。這次特別推薦四張專輯,每張搭配都不同,供作收藏比較或擴增聆賞曲目都屬值得。

首先要推薦Ottensamer的DG發行,搭配兩首圓舞曲、兩首匈牙利舞曲等,每位樂手的揮灑總能在煽情的邊緣把聽者情緒勾得徹底。再來也是新片,是BIS發行的Fröst版,搭配少見的六首歌曲與同樣為了謬爾費德寫的單簧管三重奏,錄音沒話說,詮釋亦自然怡人。還有Avi的Schorn版,有一貫的溫暖軟調,搭配莫札特的單簧管五重奏與現代作曲家為Schorn量身打造的短曲,古今輝映,抒情之中不見矯飾,善哉。最後,也講小有年份的Stähr版,當年Philips以2CD發行,併收布拉姆斯的鋼琴五重奏、弦樂五重奏,可以一覽這位作曲家的室內情懷。無論哪一張,都是入秋良伴,那麼,請靜心慢聽。


本年度DG必收強片
DG 4811409 / 環球
單簧管五重奏一開始的漸弱層次加上彈性速度轉圜之漂亮,足見合奏密實高超,會讓人感受到這絕對是值得細細品味的演出,細節照顧得很美,錄音持中自然,表現著實不俗。除了單簧管新星,本輯的大提琴家S. Koncz值得一提,他可說是關鍵人物,與Ottensamer一樣是柏林愛樂現任團員。S. Koncz曾在2013年就錄製過布拉姆斯單簧管五重奏的改編版(Ondine ODE 1246-2,包含四位柏林愛樂團員與一位獨奏家),他對樂曲的熟稔程度從整張專輯自信滿滿的琴音中不難察覺;更精彩的是,這份DG錄音除了那首五重奏以外,都由S. Koncz重新編曲過,個人認為堪稱妙筆生花——別少看DGOttensamer的高規格待遇:除了匈牙利揚琴耆宿Oszkár Ökrös,這回可是還跨廠牌請來了Decca的小提琴巨星Kavakos,還有Naïve的中提琴名手TamestitS. Koncz抓到編曲的重點,讓每個聲部有足夠的表現空間,對話間留有充分餘裕,而每個表現空間都讓獨奏家在對話中穿插一小段展技的耀眼身段,聽小品的過癮之處盡顯,也與五重奏的精髓遙相呼應。請聽本輯收錄的二首匈牙利舞曲,能成功讓每位獨奏家都花俏亮相又不失衡,論及此輯之動人,S. Koncz功不可沒。

徹底唱出各聲部的美麗
BIS 2063 / 上揚
BIS好像有點「反骨」,這版本一樣是獨奏家組合而成,與「傳統」路線不一樣,過去多半是弦樂重奏團體加上單簧管獨奏家的錄音。DG版證明了傳統是可以打破的,BIS邀來Decca藝人助陣,一樣成功:獨奏的FröstBIS近期力捧的中生代單簧管名家,在這錄音不僅吹得寬厚綿長、延展性強,且音色豐富,時而圓潤和緩,時而靈動外放,給錄音夥伴不小的挑戰。演奏者彼此的個性對比極為明確,但默契十足,所以整張專輯聽來都很舒服。請聽單簧管五重奏的慢板對話,尤有簡單卻迷人的效果——原來心碎哀怨的感覺也可以這麼有品味。那熠熠生輝的聲音光澤、慢板的溫柔流動,沉潛到高揚間的氣氛營造,弦樂部門亦大有功勞。應該有眼尖的樂迷發現,演出陣容中有JansenRysanovThedéen,他們已經在Decca嘗試過弦樂三重奏錄音,這回與Fröst共演,加上小提琴獨奏家Brovtsyn,陣容直是實力堅強。對了,這是今年發行的Hybrid SACDBIS錄音效果依舊可喜,音質乾淨清晰,音色鮮活分明,而動態、形體、比例、音場皆好,前陣子從國外購入,上揚似乎已少量引進,有興趣的樂迷不妨去電一問。

優雅風情,奧地利特調
Avi-music 4260085532834 / 古萊茵
維也納愛樂單簧管首席Schorn擔綱演出的版本,與前面列的二者,錄音時間各差一年,不知是巧合還是隱約有點互別苗頭的意味?此輯樂團Minetti Quartett是來自奧地利的弦樂四重奏,其實在當地發跡甚早,只是沒與主流大廠簽約,錄音又不多,所以海外知名度累積較慢。兩份錄音相比,會發現同樣是浪漫的詮釋手法,竟然還生出兩番不同味道:此版可聽出五位演奏家苦心經營的音樂性,聽感內斂溫和(不刻意強調弦樂亮澤的老派作風可能與小提琴、中提琴本身的音色有關,錄音師的參與不知有幾成影響),詮釋也讓人信服;打個比方,專輯裡的莫札特富於彈性與韻味,讓人想起馬利納的指揮,進到布拉姆斯一曲,則變得像馬克拉斯的指揮,用滿滿的音樂氛圍把流暢的合奏技巧隱藏起來,先讓人好好感受音符的豐盛,進而細聽又是一次驚豔。他們演奏布拉姆斯時,各聲部究竟怎麼出場?是氣勢雄雄地站出來,還是溫香軟玉的耳際呢喃?聽了便知。整體音色自持且深沉,難能可貴在於可以一面維繫聲音美感,一面保持活力與速度,始終不顯毛躁,這就是合奏真功夫了。

正攻法的爽朗異色
Philips 446 172-2 / 福茂
維也納愛樂團員組成的Wiener Oktett在1961年錄製過這首曲子(Decca 417 643-2),輕柔纖細,至今依然買得到,可見其魅力,不過十年以後,柏林愛樂的Berlin Philharmonic Octet錄了風格大異其趣的版本,更值一提。兩份都經典,推薦BPO版原因在於演奏手法直觀開闊,乃一大特點!這樣減少樂曲柔軟彈性、「正面進攻」的詮釋比較少見。無論音色或者速度調配上,都顯得較為剛毅直接,多數版本的音色會偏於融合軟質,但這張錄音裡,柏林愛樂前單簧管首席Herbert Stähr的音色比較乾爽硬朗,弦樂也沒有露出鬆軟溫存的傾向;妙的是,它依然好的很平均。雖然對著樂譜聽,難免感覺他們把一點私密抒情空間刪減了,可能不符合以往對布拉姆斯的想像,但卻是另一種異色而簡練的存在。至於柏林愛樂團員的合奏技術,我是不用置喙的,對話密合到滴水不漏,五重奏的聲音厚度聽起來相當飽滿。這份1972年的Philips錄音很乾淨,音像呈現很好,注重音效者也不必擔心音質音色與樂器演奏的細節。布拉姆斯曾說謬爾費德帶給他青春活力,如果是年輕了三十歲、陽光明朗一些的布拉姆斯,聽起來大概就是這種感覺吧?

後記:過了一年又聽到一份值得推薦的歷史錄音,典雅流暢,暖柔自適,聆賞意趣十足。可惜公私繁忙。CD繁多,還有值得再推介者,此碟無暇細細補述,尤為可惜。


2015年9月25日

Yamamoto Tsuyoshi & TBM


山本剛與三盲鼠。
Yamamoto Tsuyoshi & TBM

要提山本剛(Yamamoto Tsuyoshi),就從名氣最響的「Midnight Sugar」說起吧!相信這張三盲鼠(Three Blind Mice,簡稱TBM)專輯就算音響迷沒收藏,也多半在音響展會場聽見過,而即便不是發燒友的爵士樂迷,也都能輕易感受此輯的魅力。

幾年前,日本的Sony Music Direct (Japan) Inc.Think! Records大動作重刻三盲鼠錄音,與Disk Union合作,發行了一系列製作精美的Blu-spec CD。爵士樂迷必當眼睛為之一亮,我則是抱著補課的心情,去年一口氣收下好多張。(適逢特賣活動期間,還送特製的三盲鼠別針、便條紙加紀念貼紙,有點不知道該怎麼收藏才好……)購入這批三盲鼠「補課片」,裡面有好幾張山本剛專輯,也就是此次分享的主題。

此系列包裝是仿黑膠的紙殼裝,CD本體為塑膠袋裝,並附上二紙完整內冊,印刷漂亮,唯一的缺點是字實在太小。

封面沒有太多關於新轉錄的字樣,很簡潔討喜:就是主視覺圖、專輯標、演出者、當年發行編號。至於包裝側標,也都有元素可看,例如左下角寫著「昭和爵士復刻」,下方黑條白字註明「復刻Original Liner Notes」。三盲鼠錄音效果早有定評,爵士樂演奏相關評論也請參考孫主筆的專欄,這回打定主意要純粹以介紹為主;由於國內並未大量引進山本剛錄音(除了「Midnight Sugar」還有劉總編選入音響調聲學的「Girl Talk」等幾張比較暢銷),要介紹這系列重刻盤,我就不再流水帳了,最有效的推廣方式之一大概就是翻譯內冊解說文字吧!我得說,這些內冊文字,有的輕鬆,有的嚴肅,都非常值得一讀;礙於時間精力有限,以下摘譯內冊,大概意思到了,字句便不大推敲,任性略譯的段落也不少,請多包涵。 

TBM-23Midnight Sugar
山本剛、福井五十雄、小原哲次郎
197431
原文解說:牧芳雄

大凡爵士樂史的每個風格變化階段都有一位鋼琴家的身影。Earl Hines如是、Bud Powell如是、Cecil Taylor亦如是,鋼琴家往往站在浪潮的前沿。自1950年代後半至1960年代,鋼琴三重奏的組合被視作爵士樂的基本形式,大受注目。所謂鋼琴三重奏,鋼琴手理所當然地是主角,而另外兩位也絕非單純的伴奏,鋼琴聲部與鼓手、貝斯手怎麼個「你丟我撿」自是箇中興味盎然處;即使是鋼琴三重奏,也可以演得色彩繽紛。

這種組合可以搞小酒吧的「Easy Listening」,也可以挑戰極限、在爵士樂壇認真闖出一片天。當然更可以不要卯起來往前衝,卻也時刻度量爵士樂精髓,不輕易向商業模式靠攏……山本剛三重奏大抵就是如此把音樂演進聽眾心裡的吧,聽起來非常舒暢娛人。這張專輯除了二首自作藍調,餘下幾首都是標準曲目。在這樣的選曲中,可以聽見領軍的山本剛本色,那便是「詩意吟詠」;即使是今日,能這樣率真流露感情的樂手也不多吧?詩意的歌唱性就是這張專輯最大的魅力。接著,不妨來認識一下山本剛的背景。

1948323日,山本剛生於雪中的新潟。小學六年級時,家裡給他學鋼琴,但他嚷嚷著說不想學,就這樣在八個月後中斷了鋼琴課,反倒是念中學時進了管樂團操起小號。高三那年聽到Art Blakey and the Jazz Messengers的「Les Liaisons Dangereuses」,迷上了爵士樂,然後又回頭學起鋼琴來了,爵士鋼琴的部份幾乎是自學起家。1966年春,他進了日本大學政治經濟學部,在學時加入了「Mickey Curtis and Samurai」,成為進入音樂圈的契機。山本剛跟著這團,去完歐洲一圈,七個月後單獨回到日本,接著遊走於許多俱樂部之間;19741月開始,在六本木的Misty俱樂部(ミスティ)常駐演出。專輯裡的福井五十雄與小原哲次郎都是另一組「今田勝三重奏」的固定成員,基於今田勝的善意與理解,兩人與山本剛有了很多共演機會,三人之間的關係可以說是基於音樂的氣味相投,彼此惺惺相惜。

Midnight Sugar」是山本剛自己寫的Slow Blues,可謂忠於傳統樣式的演出,會讓人想起Milt Buckner的「After Hours」。這首Slow Blues將山本剛的藍調魂表露無遺,充滿日本樂手之間少見的道地藍調風味,我對之評價甚高。中間插入一段「I’m beginning to see the light」也饒富趣味。

Sweet Georgia Blues」這軌一樣出自山本剛,曲思借了「Sweet Georgia Brown」主題的前四個小節,用12-Bar Blues的結構發展,所以就稱作Sweet Georgia Blues。它同時也是整張專輯裡律動最快速的一軌,在鼓組Solo的時候,鋼琴插花一句的手法也很有意思。

這張專輯可以認真聽,也可以當成背景來播放也無損魅力,這就是山本剛三重奏厲害之處。實在不用講解太多,唱片放了再說。百說不如一聽!

雜記:
幾年前FIMSACD復刻盤(FIM SACD 035)掀起過一陣旋風,當時我沒跟到,當然也沒機會收到全新的XRCD盤(TBM-XR-0023)。其實無論SACDXRCD盤,二手店都不好找,網拍上的價位波動也相當大,通常都是起標價合理,不過看下標紀錄看個幾次就難免讓人萌生退意。

目前在台灣最好找的,應該是美國廠牌Impex Records的最新轉錄版本(IMP 8308),而且這是24K金限量版,雖然寫起來很像置入性行銷加上飢餓行銷,但也只能說要搶要快。這是20145月進行轉錄工程,2015年發行,近期應該還有貨,國內由Joy Audio代理。

Impex Records復刻版由Abey FonnDavid Fonn執行製作,轉錄依舊由Kevin GrayRobert Pincus操刀於Cohearent Audio,內冊解說為Tom Schnabel所撰寫。雖然沒提供原始內冊,不過Impex仍是「按照規矩來」,在最後附上錄音配置圖。這個版本的底噪嘶聲比較淺,不過並未因為好像濾掉什麼東西就導致聲音變得平板,也許要歸功於原始錄音就很活生,或者是Kevin Gray恰當抓住了各頻段比例,讓聲音聽起來清晰自然,此廠轉錄的形體與分離度都相當優秀,母帶處理想必煞費不少苦心。

特別的應該是24KCD製程,說實話,我無法參透箇中秘辛,但就聽覺來講,可以說它在聲音密度與細緻音質兩方面取得非常漂亮的成績。此外,Impex版本有經過HDCD編碼,若您有支援HDCD的訊源不妨試試。

TBM-30Misty
山本剛、福井五十雄、小原哲次郎
197487
原文解說:佐藤秀樹

猶記得過去在Red Garland的專輯解說,是這麼評論他的彈奏:簡直就像是進入相熟的老鋪子那般輕鬆自在。深夜一個人,聽著鋼琴三重奏的唱片,安安靜靜地,一杯又一杯喝著,讚。那種時候我就會放Erroll Garner的「Misty」或者菅野邦彥的「Autumn Leaves」,最近也會聽山本剛的「I’m a fool to want you」直到夜色更沉。

鋼琴家山本剛的名字,從「Midnight Sugar」開始,讓樂迷一聽難忘:鋼琴奏者多如過江之鯽,而他一登場就撩撥我心。山本剛的演奏別有詩意,不靠奇技怪巧或過份深刻的東西來譁眾取寵,但就是特別有感覺。

這是他的第二張專輯,班底與前作相同,兩張專輯之間還有326日的「Now’s the Time」現場錄音,演出陣容再加上鈴木勳、和田直。無論是哪一張,山本剛的才華從粉絲不斷增加此一事實就能想像。有一種說法,說日本人聽爵士樂都太過份認真了,習慣用所謂「藝術性」來衡量作品價值。這豈不是硬要吃,又消化不良嗎?與其硬要都在音樂廳聽爵士樂,像這種小編制的鋼琴三重奏,還不如在小小的俱樂部裡頭一邊喝一杯、一邊聽來得好。

山本剛三重奏現在是Misty俱樂部的常駐樂團,樂手長期合作,選曲趣味也很能傳達彼此默契,表現得非常平衡。其搖擺、輕鬆、灑脫、出眾的旋律性,在某種程度上甚至比前輩世良讓,或者今田勝、菅野邦彥等人更多一些,充分發揮以鋼琴唱出情緒的功力。雖然山本剛比較寡言,不多說自己的經歷,但從其彈奏中不難見到Bobby TimmonsWynton KellyRed Garland等人的影子,尤其在旋律與藍調的風味上能彷彿聽見Kelly之影響,而Block Chords的處理則接近Garland

這組人馬也和安田南灌錄過唱片,伴奏之魅力為人所知。現場和唱片還是有所不同。有更強烈的觸鍵、更質樸的面向,本輯就捕捉了他的這一面。我也問了山本剛,他說最近在迷Randy Weston,然後從以前開始就常常在聽Thelonious Monk

Misty」這一曲是Erroll Garner的代表作,也是本輯名稱由來。Garner的優雅與情慾自不待言,Misty一曲表現無疑,山本剛游移摸索的雙手更道盡一切。這張專輯的魅力如同前作,用標準曲帶出這組三重奏的歌唱工夫。如此專輯不是雕刻出來的,而是抱持著玩樂精神(正面的意思)、也懂爵士的製作人藤井武帶來的作品。才情絕頂,演奏漂亮,魅力無窮!

雜記:
山本剛早期另一經典「Misty」,Impex亦有復刻。近期推出的三盲鼠名盤還有鈴木勲、菅野邦彦等人共演的「Blow Up」等等,一樣是24KCD版,有HDCD編碼,一般CD唱盤也可播放;都是今年發行。截至目前,Impex重刻發行的LP加上CDSACD,約有三四十個品項,不知道國內是否都有引進。如果您是喜歡「Midnight Sugar」的樂迷,應該也會跟到這張來(純粹順帶一提,在下另一半最喜歡的山本剛專輯就是這張)。

不只「Misty」,三盲鼠接下來還有好幾張唱片內文解說都提到「Midnight Sugar」,那張處女作(處男作?)當時有多轟動,隱約可以感受到了。另外,也別錯過內文講的「Now’s the Time」,理由容後見分曉。

TBM-37Live at the Misty
山本剛、大由彰、大隅壽男、森山浩二
19741225
原文解說:藤井武

東京的Jazz Club
現在東京大約有20Jazz Club,雖遠遠不及紐約,但應該也比洛杉磯、舊金山多了。新宿的「ピットイン」、「タロー」,銀座的「ジャンク」,六本木的「ミンゴス˙ムジコ」,青山的「ロブロイ」,高圓寺的「アズ˙スーン˙アズ」等幾家Club,每天有不同的演出陣容,以年輕的爵士樂迷為主。而六本木的「ミスティ」、「バードランド」,赤坂的「カナウニ」、「VIPA ルーム」,新宿的「J」,自由之丘的「5 スポット」,青山的「仮面」等店,則大概都是固定的演出陣容,客群則來自各種各樣的領域。

在前面列舉的那幾家,有一流的團,也有年輕樂手;可惜是可惜在年輕的聽眾太正襟危坐,看得肩膀都僵硬了。大概遇上喜歡的音樂,也是不搖不擺、不吭個聲,我是不大能理解啦。就好像守夜那樣,安安靜靜的低著個頭又不是在念經。既然是爵士樂,讓身體自然隨著音樂律動也是應該的。

在某個意義上來說,爵士樂也是傳遞訊息,那是隨著各種氣氛、舞台上下對話而有進一步發展可能的音樂類型。既然如此,聽眾若更顯得投入音樂,樂手就會帶來更精彩的演奏,如果少了此類互動,豈不是太可惜。年輕朋友們,試著大方表露內心的動感吧!不用怕別人戴著有色眼鏡看你,把身體交給爵士樂,自己的感覺對了最重要。

後面那幾家又聚集怎麼樣的來客呢?是結束了一日工作,到店內吃個東西、小酌一杯,在酒酣耳熱,相談甚歡之際,想要來點爵士樂的人。所以說,太迂迴深刻的東西就敬謝不敏了,在這種店家,就是休閒享樂至上了。適於下酒、認真聽聽也有味道的爵士樂,不用說,真的就是會讓人想掏錢支持。

雖說如此,但事情又何嘗簡單。在眾多樂手之中,真正能演奏到這個份上的高手,就數菅野邦彥與山本剛了。演奏充滿味道,有個性又有才華,是真正能醞釀氣氛的高手。

Misty Club(ミスティ):
這份錄音所在的六本木Misty1973年秋天新開的。就算是開幕當天,也讓人有種已經開了好多年的熟悉氛圍,這會讓客人心情沉著放鬆下來,真要向負責內部裝潢的人好好敬個禮。

這家店中間放著全尺寸的平台史坦威鋼琴,乍看之下怪怪的若以常理論,東京濕度高,氣溫變化也大,在這種城市的地下的小小的俱樂部的史坦威的平台的鋼琴應該沒人來這套吧?原來,這也是要實現Misty老闆三木氏的心願。說起買琴,過程也很妙,三木氏與菅野邦彥兩個人飛去紐約,實際彈過,就訂了下來。其次,為了讓鋼琴經過最少的氣溫變化,整台鋼琴搬上飛機空運回日本再來,搬運鋼琴的職人都選經驗老到者,找了好幾個人準備,還一度敲穿店裡牆壁,用繩子慢慢搬進去……如您所聽,這部鋼琴中低音域的表現著實厲害,但是很可惜,在這種環境下,壽命也許不長。

開店當時,由菅野邦彥三重奏做駐店演出,然後19741月起由山本剛三重奏接手。這家感覺超讚的店呢,每晚演出四輪!從晚上九點半,演到超過凌晨二點。也有爵士樂手結束了其他演出後,過來這裡一起同樂Jam一下的。幾乎是每個晚上都有歌手客串,東鄉輝久、森山浩二、安田南等人都有登台紀錄。

關於山本剛三重奏:
持平而論,在1974年的「Midnight Sugar」發行之前,說山本剛是籍籍無名也不為過。而在1974年常駐Misty之前,即使能在各個Club聽見山本剛演出,大概也只有一些人會宣揚他的好。經過1974年的「5 Days in Jazz」,山本剛發了第二張專輯「Misty」,更得到Swing Journal雜誌主辦爵士唱片大賞的「最優秀國內錄音賞」,在這一年裡面,他的名氣也已經在音響迷之間傳開。我這個伯樂,也真的是夠開心的了。這張專輯有他最自然、最平常的表現。接下來一年,山本剛要去Berklee音樂學院留學一年,對他想要進修、確立自己風格的態度,我抱持很正面的看法。這必將會是他未來的積蓄。

19741225日,這一晚的演出,每一輪都是超Groovy的,實在難分軒輊。近期就會陸續發行,敬請期待!

雜記:
三盲鼠的製作人藤井武(Takeshi Fujii),外號是Tee,在三盲鼠錄音中會看到Tee這個字樣,通常就是說他沒錯了。這張專輯由他親自撰寫解說,將當時的東京爵士樂景況概略提點一番,一方面是解說冊,另一方面也可供後人懷想當年風流之用,從文字中,不難想見Tee的性格,讀來特別過癮。(Tee撰這篇文時的「現在」,指的是1974年。)

TBM-41Blues for Tee
山本剛、大由彰、大隅壽男
19741225
原文解說:藤井健夫

關於山本剛
演員也好,音樂家也好,皆如流星閃現。要步入星光殿堂,背後都得有個能賞識其專業能力與人格特質的社會環境,只有實力不等於水到渠成。不也有歌手是從默默無聞之中一下子被推到鎂光燈前的嗎?人們會說那是幸運,但事實上那並非偶然,便是有英雄,也得忖度形勢;近來這些外部成因也益發明顯。而在現代爵士樂裡,既稱現代,更不能不考量「現代」的因素。

那麼,原本沒沒無名的山本剛,在三盲鼠推出他首度領銜灌錄的「Midnight Sugar」後,未滿一年就在樂迷間聲名大噪,又有何背景可言?應該要把這個現象和今田勝或菅野邦彥等人連在一起看,他們的Swing演出也是迅速竄紅。我認為這和近來人們的心態與多樣化的價值觀有關係。現在社會是多元的,今天的日本不再困於只求溫飽,走向富庶,人們的欲求與多樣的價值觀漸漸出現,也進入到了爵士樂風情畫裡頭。也就是說,只有喜歡怎樣怎樣的東西才算正港爵士迷的觀點已經過時,現在大家會坦率地支持自己愛好的爵士風格;爵士樂也進入了要符應TPO的時代。(註:此處TPO應指TimePlaceOccasion?)

有了這種背景,以McCoy Tyner風格為當前主流的日本爵士鋼琴界中,山本剛與菅野邦彥等Swing樂手,也能有自己一方天地。這樣說起來可能讓人認為山本剛靠的不是實力,而是躬逢其時……當然不是這樣。他有多好多厲害,在之前的專輯內冊與唱片評論中都被講得很明白了。而我想用我的方式來描繪他:接下來我用山本剛與菅野邦彥來比較,看看有什麼不同。

一、草書VS楷書
菅野的鋼琴演奏是流動的,聲音接續之間有如舞蹈,乃其特色,他的音群變化是核心所在;山本與之相對,聲音處理是一個音一個音獨立存在的,讓樂音與靜寂交織出其美麗。以書法來說,菅野似極行草破格而舞,山本則端秀書楷,調和字跡與留白。而回到Swing來說,菅野比較Orthodox,山本是比較前衛現代的。

二、陰性VS陽性
陰陽相對,可以從幾個點來說。第一點,像前面舉的書法個性就是。第二個例子是他們的音量差異。雖然菅野不走小聲路線,而山本的團員卻找不到比山本更喜歡大音量的鋼琴手了,山本這般聲音的動靜差異,正如前面說的樂音與靜寂之對照。第三點是鋼琴手與節奏組的互動關係:菅野比較容易受到節奏組的影響。這不是什麼好壞的問題,而是菅野的鋼琴演奏有著纖細的陰性特質。山本正是對照組,他顯得較為陽剛有力,領著節奏組進行。

三、腐敗的甘美VS禁慾之美
菅野的演奏是甘美的。那份甘美正如水果行將腐敗前所發出的甜味。1974年秋天菅野在飯野廳開演奏會,我在開場前被年輕人大排長龍的陣仗給驚著了。那一群是見證了日本富庶的世代,菅野甘美如許,正合口味。對現在的日本社會狀況來說,最有威脅性的不是反對體制的左翼勢力,而是往富庶沈溺、從內裡開始崩壞的體制。扯遠不是要說菅野不好,他絕對很棒,我是在稱讚他的甘美。山本的音樂有明確的留白,這是他美感的基本要素。這種節制表現,是禁慾的美,要藉以帶出高純度的爵士鋼琴世界。貌似悖論的是,山本的演奏還讓人感到比菅野的官能性更進一步,甚至帶著點性吸引力;六本木的爵士俱樂部Misty,女性來客都為之深深著迷,或許這也是很多女性歌手想要山本剛三重奏當伴奏的祕密理由也說不定。

以上,與菅野邦彥相比,這是個人對山本剛充滿「獨斷與偏見」的看法。想必很多人不會同意,不過我也不會多做辯駁,因為容許各種聽者的「獨斷與偏見」不正是爵士樂最大的魅力之一嗎?

關於這張專輯
這是山本剛領軍的第四張專輯。前三張依序是「Midnight Sugar」、「Misty」、「Live at the Misty」。前一張專輯的解說也有預告,Misty俱樂部的現場錄音會再發一張。這張現場錄音是製作人藤井堅持要山本剛在去Berklee留學之前錄下的。我也參與其中,四輪現場演出如同往常,在輕鬆的氛圍中錄製完畢。原本只想發一張專輯,不過因為當晚四輪演出都太精彩,除了兩曲不夠完美,「不得不」將當晚演出分成三張專輯發行,結果製作人藤井超開心的。

這張專輯是現場第二張,與前後兩張略有不同。「Live at the Misty」的專輯呈現比較接近「Misty」,這張「Blues for Tee」就展露了山本剛的藍調魂。他有日本人罕有的藍調體會,能讓人聽到寬廣的幅度:「有人認為藍調就是悲歌,反映黑人的困苦與祈禱。但不僅如此。藍調是同時具備二種矛盾情感的音樂,它在絕望中找希望,在悲哀中振奮精神;既平俗又高貴,正乃藍調。」有這種體認,這張專輯就更像「Midnight Sugar」的延續。

另外,這張專輯AB兩面聽起來可能會略有不同(註:當年是黑膠發行)。第一個原因是麥克風有換過位置,所以A面是鋼琴與鼓組在左邊,貝斯在右邊;B面是鋼琴在左、貝斯在中、鼓組在右。因為A面是試音與第一輪演出的關係。第二,B面收錄的是深夜的最終回演出,當時除了現場相關人員,客人只有二位,所以聽起來不太像現場,是這個原因。

第一首「Blues for Tee」,Tee不是Tea。這是山本獻給製作人藤井武的一曲,武(Takeshi)的第一個字母是T,也就是Tee,另外也可以說是高爾夫球術語的Tee,有開場意味,山本在樂曲中秀了一段不輸菅野的音群展技能力。第三軌「Speed Ball Blues」也是原創曲目,如同曲名,律動快速活躍,是很能表現山本剛本色的爽快一軌。

為了寫解說,和大由彰、大隅壽男二位樂手有過對話。他們異口同聲道:「等山本剛回來再一起搞音樂吧!」山本剛真是幸福啊……所以,就算是為了兩位夥伴也好,這回去美國留學,回國時務必要給我們更上一層樓的山本剛!

雜記:
聽音樂也可以關心國際情勢。解說中提到日本的社會問題,當代日本,或者當代台灣,是不是也有類似隱憂?作者提到日本當年的社會隱憂,豈不是預言了幾年後的泡沫化?另外,碎碎念一下,兩張小紙片上怎麼可以印刷這麼多字,真是翻到快瞎了,決定接下來要放大影印……(其實這回已經略去了一整頁鼓手與貝斯手的介紹沒有翻譯,請見諒……

雖然這是一篇比較兩位鋼琴家的解說內文,但為何讀完後照樣產生了強烈的購物欲呢……下一步是不是該來收集菅野邦彥……回頭看看唱片櫃……

TBM-52The in Crowd
山本剛、大由彰、大隅壽男
19741225
原文解說:佐藤秀樹

以一張「Midnight Sugar」名聲鵲起的鋼琴家山本剛,之後幾張專輯也徹底攫獲爵士樂迷的心。至今,日本的爵士景況對Swing不甚重視,而山本剛是Swing風格的其中一員大將,以漂亮的觸鍵表現音樂魅力,將至高的輕鬆愉悅傳達至聽者內心。不用說,還有很多樂手也能演奏這類風格的音樂,但是如他這般不做作的姿態,又能以一架鋼琴引出無限詩情者,寥寥無幾。

談起山本剛其人其樂,與他相交多年,也一起演出過的鼓手小原哲次郎說:「學生時期就認識他了,他最好的地方在於很能夠了解別人的心情。作為鋼琴家,他很有才華,和他一起玩過音樂就能感受到其中魅力。」

此前山本剛已經發過數張專輯,「Midnight Sugar」、「Misty」等等,這張錄於Misty俱樂部的現場,與先前兩張「Live at the Misty」、「Blues for Tee」是同一天的錄音。這幾張作品有共同的魅力。因為演出都在他的主場,可以在最熟悉的環境中發揮實力,再理想不過。而現場錄音的寬闊空間也與錄音室非常不同,聽眾的耳語、對話、拍手等,在在傳達出現場的熱烈氣氛。另一方面來說,山本剛三重奏的豪情熱演,也奠基於山本剛與大由彰(貝斯)、大隅壽男(鼓組)的配合默契。團隊合作的演出既要有同儕競爭的感覺,也要協調融合。大由、大隅二人提供了漂亮的躍動感。在山本剛去美國深造前可以留下這三張現場專輯,實在太好了。姑且讓我來談談這三張Misty俱樂部的現場錄音。三張現場專輯收錄了當晚四輪演出的內容,第一個發行有森山浩二跨刀助陣,第二個發行則是固定班底的三個人,本輯亦同。如同製作人藤井武所說,山本剛是表現了平常的自己,所以特別有親近感。

這張專輯幾乎都是為人熟知的名曲,山本剛卓越的旋律天份更是發揮到120%。本輯收錄的曲目,完全展現他那讚到不行的詩意才華也把團員給感染透了,整體可說是在張揚與內斂中抓到平衡點。這位鋼琴家可和菅野邦彥相提並論,關於這方面,藤井健夫氏在「Blues for Tee」的解說中有精彩論述,請務必一讀。總之,山本剛的演奏並不會忽略整體架構或樂曲氣氛,可謂相當重視品味。即使才華外露,敬愛音樂的初衷仍在。

雜記:
三張專輯,竟然都是同一天錄製,只能說,活生到底!1974年,聖誕節三連發,收集成套特別有成就感。(大概是戀物癖作祟?)反正也才三張,荷包暫時還能挺住。

TBM-29Now’s the Time
山本剛、福井五十雄、小原哲次郎、
和田直、鈴木勳等人
1974326
原文解說:大和明

19709月,三盲鼠發了天字第一號的「Mine/峰厚介」(TBM-1)以及第二彈「Now/今田勝」(TBM-2)以來,過了四年,至今累積約三十張出版品,三盲鼠這個品牌也成為日本爵士樂界不可或缺的存在。此廠牌從茫茫人海中探求潛力股,給這些有前途的音樂人許一個真正的未來,讓這些音樂人不再受地域侷限,靠錄音走遍日本。三盲鼠只是個小廠,能走到這步田地無非是憑著全體員工在藤井武麾下將士用命,把熱愛爵士的心意給培養茁壯。三盲鼠錄音在Swing Journal雜誌上表現亮眼:「Mine/峰厚介」在該雜誌第四回唱片大賞的日本爵士部門搶進Best 3,本年度第七回唱片大賞的日本爵士部門Best 3則全部由三盲鼠包辦!

他們不只靠唱片錄音與樂迷交流,更有活生生的現場接觸,藉此將爵士樂的「醍醐味」再發酵下去。這回舉辦的現場音樂會超佛心,入場費均一是600日圓,希望能進一步促成日本爵士樂的繁盛、攬來新的樂迷,打開大家眼界。當然也更要傳遞三盲鼠的中心思想:「好好享用搖擺之樂!」這就是「5 Days in Jazz」的系列活動緣起。陣容多豪華,不在話下。

這場活動322日到26日,辦在東京的Toshi Center Hall,策劃了各式主題,諸如「爵士鋼琴之夜」、「爵士人聲之夜」、「致Charlie Parker的藍調之夜」、「Jam Session I & II」、「Jazz Time Now」等等。有固定班底,也有眾家樂手共襄盛舉來「續攤」。就我觀察,最可惜在於前期宣傳不足,但即便如此,現場的熱烈氣氛還是相當高漲,與會樂迷大感滿足,目的也就達到了。現在將這些演出以唱片發行,能使全國樂迷重溫當時景況,實在開心。

A面第2軌的「Midnight Sugar」:這首原創的Slow Blues山本剛的粉絲一定熟到不行。這回現場演出,有特別來賓獻技,又增添另一股風味。在第二段,山本剛退居二線,和田直登場擔任主奏,藍調感滿到溢出來了,和田直不羈的吉他聲線讓音樂更加勾魂。整個演奏相當充實。我那兩歲的小子,跑到我房間來都會「指定」片子,有一片就是和田直的「Coco’s Blues」(TBM-12),還會投入地隨樂起舞。扯遠了,總之這次合演真是好Bluesy、好Groovy

雜記:
當年的入場費竟然只要600日圓!喜歡「Midnight Sugar」的人,最不應該錯過的、最該去挖出來的寶就是這張「Now’s the Time」,理由無它,因為這裡有現場的「Midnight Sugar」演出,錄音聽起來已經夠爽,加上和田直跨刀,豐滿到滴汁的吉他彈奏,超有Soul

1974年的這一場「5 Days in Jazz」,無疑是最引人入勝的一段大和爵士紀錄。發行在「Live in 5 Days in Jazz 1974」系列中的片子都很搶耳,與山本剛平分秋色的自然要提菅野邦彥那張「慕情 Love is a Many Splendored Thing」,以前我常用來測試音響的還有中村誠一的「The Boss」,都是該場音樂祭的瑰寶;同系列另有兩張專輯,分別是森劍治與市川秀男的「Solo and Trio」以及水橋孝的「When a Man Loves a Woman」,還沒消化夠,有機會再報告。(大概是沒機會的意思?)

TBM-59Girl Talk
山本剛、大由彰、小原哲次郎
19751217
原文解說:行田よしお

山本剛再發一張專輯,這是第六張了。前五張依序是「Midnight Sugar」、「Misty」、「Live at the Misty」、「Blues for Tee」、「The in Crowd」,如果再加現場多人合演的「Now’s the Time」,已有七張;另外還有兩張不是三盲鼠的錄音,是與安田南合作灌錄的片子,算起來其實有九張。驚人的是,這九張黑膠都是兩年內灌錄的,手腳真正緊!如此活力充沛又具極高完成度的樂手,就我所知,別無分號了。

藤井武與山本剛意氣相投,一張張這樣發下來,有量又有質,而山本剛的粉絲有多麼多也毋庸置疑了。去年一年間,日本國內發售的爵士樂唱片多達一千兩百款(含重發盤),這數字真難以置信,也說明了日本爵士樂界進入了戰國時代,百家爭鳴、名盤如林。而山本剛的實力與人氣絕非曇花一現。

擬稿時,我將手邊所有的山本剛專輯都放上唱盤唱一輪,一探究竟。

這六張山本剛的三盲鼠專輯有共通之處。第一、都是鋼琴三重奏形式。第二、選了很多標準曲。我覺得這是可喜的現象。說來有點唐突,雖然我還算年輕,不過可是從中學就開始聽爵士了。那些「標準曲」其實都是當年金曲,這麼多年來,可說是歷經時代的考驗。能從比我還年輕的樂手(如山本剛)那邊聽見有名老歌注入新的氣息,自是十分歡喜。

前幾天我去一家相熟的爵士喫茶店放了這張唱片,有位大約五十歲、面善的老先生聽著,直瞇著眼、上下點頭,接著走往我這來,問道「彈鋼琴的這是誰呀?」聽我解釋之後,他說「喔~27歲年輕捏~了不起~」聽得老先生這樣說,我也頗樂的。嗯,山本剛魅力,大概就是這樣吧。

當初他加入Mickey Curtis的樂隊,去了法國、瑞士、英國等地,有了大約半年的專業經驗。山本剛說就是那時候,在倫敦的Ronnie Scott's Jazz Club聽了有Johnny GriffinKenny Clarke樂團演出,至今不忘。或多或少出於思鄉想家,後來山本剛就歸國了,但他依然期許成為一個真正的爵士樂手,並以此為目標四處求職。從銀座的夜總會到青山的俱樂部,不斷精進自我。後來山本剛就是以通俗的曲目技驚四座,正像前面那個故事一樣。客人喝著小酒、向他點歌,他是這樣磨練出一身功夫的。再來就是在六本木的Misty俱樂部,想必不用再提。

儘管山本剛的鋼琴可以說幾乎是自學起家,但是一點都不讓人覺得有技術不足之處。不知道是不是東北人特有的向上韌性,又或者所謂天賦,他的爵士樂感與黑人樂手簡直如出一轍,在小曲子中發揮得尤其好。對於喜歡Erroll GarnerRed GarlandWynton Kelly的我而言,山本剛的演奏總是在我心頭輕快地躍動著。本輯共演的大由彰、小原哲次郎二人,已和山本剛有多次合作,是連呼吸都合拍的絕妙組合。特別要提鼓手小原亦步亦趨,難能可貴。

雜記:
這邊就不囉唆,請參考劉總編的音響調聲學,溫故知新!對了,解說提到九張黑膠,其實當時山本剛應該不只灌錄九張,至少還有一份「Daahoud」,只是不知道當年有沒有隨即發行。

TBM-69Summertime
山本剛、大由彰、守新治
1976517
原文解說:藤井健夫

從「部份的存在」走鋼索到「全體的存在」
談山本剛的微妙變化

昭和495月,隨著三盲鼠的「Midnight Sugar」橫空出世的山本剛,一路平步青雲。現在站穩了樂壇最受注目新人的地位。從首張專輯發行後,也在Swing Journal的唱片賞中不斷入選得獎,Misty俱樂部常常晚上客滿到深夜,大家都聽他彈琴聽得樂陶陶,可想而知。

然而,讓我們把這些表象暫時放下,其實山本剛本人是一直在演化的。如同眾人所說,他抒情的歌唱、罕見的藍調風味、詩意的才情、野性粗獷的音量變化,都是活活生生的當代手法。自有一番魅力。

並不是說魅力會走樣,但若細聽,「Girl Talk」開始,他的演奏開始有了微小卻重要的不同。首先要說,從美國回來後,與初次發片的山本剛相比,他那耽美的旋律性格起了小小變化,能聽見多了些Soul、多了些Rock。他最近常說:「SoulRock也有很多很棒的音樂,想用鋼琴來彈彈那些曲子……是不知道會變成怎麼樣啦……

然後,最近還有一張「Daahoud」就是這麼個樣子。以往會很想知道自己究竟能「表現」到什麼程度。但現在他更注重樂手之間的呼應對話,要將互動樂手的精彩之處都發揮得淋漓盡致。山本剛不再一直「往前站」,而是找到自己在團隊裡應該有的位置,怎麼切入,怎麼讓出等等,都放了心思。看似「體貼」,對團員來說反而更「嚴格」,因為分攤到的責任變重了。從「部份的存在」走向「全體的存在」,是他近期的特點。他在美國從1月待到7月,這半年間的美國體驗應該有關係吧!

昭和501月,他毅然決然赴往波士頓,要在Berklee音樂學院好好學套功夫。但是去了才發現不是他原本期待的那樣。所以他就都在自己的住處借了鋼琴練Solo,有時候和朋友二重奏,就這樣默默的練習。但現在想想,這是他在日本辦不到的,能有機會好好正視自己演奏的音樂,是極為貴重的體驗。在波士頓三個月以後,他去了紐約。當時已在紐約當地有建樹的增尾好秋等人給了他支援,接觸了很多音樂,也有了在爵士俱樂部一週演出兩次的工作機會。那都是和貝斯的二重奏,是必須仔細注重互動的演出形式。紐約加上波士頓的練功經驗,對山本剛的演奏風格產生不小的影響,即前面所謂樂手之間的呼應對話。

話雖如此,更在乎「平衡」的山本剛會不會也「稀釋」了自己存在呢?對喜歡他的粉絲來說,這樣的變化又是有市場的嗎?未來究竟會怎麼發展誰也說不準,所以這樣的變化有如走鋼索一般危險。現在的他一樣可以彈出讓人開心的音樂,但同時也在朝著另一個方向努力實驗,這種冒險精神大概就是美國行最深刻的收穫。才剛開始走鋼索的山本剛正需要我們這些熱切支持的樂迷,有了我們聲援,他才能走得更好吧!

關於此輯
先來大致說說山本剛歸國後的近期動態。從美國回來之後,暫時是自由之身,所以有在銀座的「Junk」等俱樂部以臨時成軍的三重奏演出。昭和508月底,Summer Jazz Festival結束之後,山本剛與離開今田勝三重奏的鼓手小原哲次郎以及貝斯手大由彰組成「Yama & Jiro’s Wave」(日野元彥取的團名,今年二月夭折了),然後另一頭也回歸Misty俱樂部,積極地再出發。在Yama & Jiro’s Wave「收攤」之後,山本剛在Misty之外的地方只有大由彰是固定班底,鼓手常有變動,包括已經回去美國的Steve Jackson

這張是山本剛領軍的第八張專輯,也是1976年「5 Days in Jazz」活動的其中一場現場錄音。今年是51718252627日,場地則從之前的Toshi Center Hall移師到銀座的Yamaha Hall

山本剛三重奏在第一天的「爵士鋼琴之夜」登場,排在板橋文夫三重奏、今田勝獨奏後頭出場,本日鼓手由守新治出任,這位是渡邊貞夫四重奏的現任團員,去年曾遠征Monterey Jazz Festival,是位實力派。守新治的特色是可以保持像時鐘一樣精準的步調,很有大都會般洗練颯爽的味道。另一頭,大由彰則可以說有草根味,有著絞繞黏纏的感覺,形成極大的對比。這場三重奏,山本剛和大由彰都認為與守新治一起玩音樂很新鮮,有著好像隨時會分家一樣的緊張感。

那麼,大家聽完之後覺得如何?我前面說他在走鋼索,這可不是漂亮地走完了嗎?

雜記:
難怪之前都說要去美國一年,後來才發現只去半年,理由這裡講啦!不過,Berklee音樂學院到底是哪裡「不符期待」?耐人尋味……另外,藤井健夫的評論總是在拗口的語句中閃現精準的觀察,雖然讀起來不輕鬆,卻總是有種苛刻的滿足感啊!

TBM-3009Star Dust
山本剛、川畑利文、大隅壽男、The Strings
197782/3/18
原文解說:佐藤秀樹

山本剛放入真感情的弦樂伴奏專輯
Jimmy Lyons一眼就相中山本剛,1977年邀他參加加州的爵士音樂節Monterey Jazz FestivalMJF),蔚為佳話,認為一定要將這位鋼琴家的旋律天賦介紹給世人。對早就了解山本剛有多好的日本樂迷來說,這個舉動真是擊中心坎眼兒了。

前幾天參加了Hot Club的十月份例行聚會,辦在新宿的山水Show Room,主要是いソノてルヲ(後註)與野口久光兩位分享MJF的經驗。1977年這場MJF,日本有兩位特別嘉賓,是北村英治和山本剛,舞台英姿讓現場都沸騰了。接著野口氏播放了916日晚上MJF那場「20週年紀念Blow Out」,北村、山本的熱力躍然耳際,加上いソノ氏的解說,充實又愉快。其中山本剛彈的那個「Midnight Sun」,演奏完畢時,聽現場歡聲雷動就知道多銷魂了。

這張「Star Dust」是MJF現場前一個月的錄音。這回,紅遍海內外的山本剛用弦樂團來替自己的魅惑性再添顏色,很棒的一張專輯。他將這張專輯獻給已故的Erroll Garner1921-1977),在背景用弦樂的構思便是來自Garner過去的作品「Other Voices」。那是一張1956年的錄音,以三重奏為中心,由Mitch Miller領著樂隊伴奏,可以說是Garner最「Moody」的一張作品。

而本輯魅力自然落在山本剛身上。川畑利文、大隅壽男、山本剛三人,構築了穩固的三重奏樣貌。經驗不足的樂手會讓理應在背景的弦樂配置搶去鋒頭。這張專輯則沒有這個毛病,弦樂調度得當,山本剛的彈奏,較之過往專輯,更散發出一股情慾的芬芳。弦樂編配由箇中好手橫內章次帶領,他很懂山本剛的脾性,正因如此,才替這張專輯上了一層如此漂亮的顏色。橫內以大小提琴聲部為主,有意識地排除了中提琴,因為他認為那會把山本剛魅惑人心的高音表現給拉下來,有其用心。橫內在1977年的「5 Days in Jazz」表現亮眼,也為笈田敏夫的音樂會做了很好的編曲,這裡當然好好讓樂迷見識他的編配功力。用弦樂編曲本就強調了旋律性,原本就很會讓鋼琴歌唱的山本剛配上弦樂,就更加合拍了。

我的觀察啦,日本的爵士樂迷會太過認真堅持於「鑑賞」。好在有Misty讓人一邊喝酒一邊舒緩地浸在爵士樂聲當中,山本剛也最能在這種環境下發揮到最好。

這張專輯有所謂「大人味」,重要的是它能秀出山本剛的實力。這張專輯所呈現的曲風和採用弦樂的流行曲目有所不同,山本剛說「錄音之前我不知道鋼琴和弦樂能不能配得起來……有點擔心…………弦樂錄音跟鋼琴三重奏錄音是兩回事,錄音過程嘗試了很多作法呢。」相較於纖細敏感的菅野邦彥,山本剛算是很勇於嘗試,他最近漸漸從俱樂部的環境中向外發展,前景看好。

雜記:
「いソノてルヲ」這個混用平假名與片假名的樂評筆名會讓人誤以為樂評可能本名叫做「五十野輝夫」或者「井園照男」之類的,不過漢字正解是「磯野晃雄」,對資深樂迷來講,這名字應該就熟悉了。

這張也可以算是爵士界的金曲小總匯,想聽不同味道的山本剛可以考慮。喜歡蒐集經典標準曲目版本的樂迷也可以出手,看看曲目就知道:Star DustLa vie en roseMistyThere is no greater loveI didn’t know what time it wasShe’s funny that wayTime after time。這幾首都很經典。喜歡Chet Baker的「Time after time」的話,不妨聽聽山本剛版本的味道。

山本剛不掛頭牌,一樣有好作品,這裡請容我偷懶,暫先略過不提了,請有興趣的朋友再找找吧!

我個人比較喜歡「Black Orpheus」這張,美國式字體的封底在逗趣中帶點懷舊,也很有味道。山本剛在這張專輯彈了電子琴,意思就是表現幅度更大,音色不是崩裂的,反倒有點悶騷;掛名主奏的鈴木勳把貝斯弄得活蹦亂跳,鮮明強烈;鼓手Donald Bailey散落一地的金屬氣味又壓抑又有板有眼,整體湊起來非常好聽。光是衝著山本剛彈電子琴就忍不住會想買,更何況演奏曲目又是標準曲路線,也按照「傳統」,內附一首山本自己的Blues,做了個熱鬧收尾。

三盲鼠外的其他發行,我最推薦這張「Interplay Now」:山本剛的絕活是能夠把經典旋律玩得滑順魅人,也許這就是所謂的天份吧?這張專輯一覽無遺!

另外有兩張East Wind的發行,您可以看曲目買,如果想不小心燃起粉絲魂要蒐集的話,動作要快,因為這也是限量(網路通路不少都斷貨了)。2015年初發售,發售時就強調「生產限定盤」,有DSD重新處理。原價一張是一千日幣,目前應該是還不會被炒作。

後記:
三盲鼠無疑是個寶庫,可惜物轉星移,輝煌幾年後,空餘黃鶴樓。在過往的華麗年代中仍有許多尚待挖掘的錄音,就個人看法,我認為華文世界沒有大量相關資訊著實可惜。其中一個基本因素大概就是「中文化」程度不夠,無法激起更多討論火花。雖然這只是小小的嘗試,也懶惰地略去了原文很多段落沒有呈現,但希望可以拋磚引玉,讓更多人接觸到三盲鼠藝人的豐富演繹與當家錄音師神成芳彥的精彩錄音技藝。日後有機會(不知何年何月得償所望)再繼續來分享三盲鼠其他好片的解說內文,這次山本剛「微專題」至此告一段落,謝謝收看。