2015年8月27日

再探MA,古樂一帖


去年八月,初次採訪MA Recordings的錄音師兼老闆Todd Garfinkle(目前還是這家發燒廠牌唯一的工作人員),對他的熱情與言談相當拜服,很希望今年可以再前去請教一些問題。但出於私務繁忙,不確定能否在圓山音響展碰上面,所以便冒昧寫信前去叨擾,也聊了些Todd在錄音製作上的想法;以下將幾個也許讀者會感興趣的話題抽出,以我問他答的方式呈現,且看Todd的想法能否引起您共鳴。

問:憑印象,如果要形容MA Recordings,我第一時間想到的會是「活生、空間感、類比味」。你呢?如果只用三組關鍵字來描述MA,你會怎麼講?
答:我會說「音樂性、栩栩如生的空間感、原創性」。(原話複製貼上:Musicality / Vivid Sense of Space / Originality

問:說到類比味,時下高解析格式與黑膠的兩大潮流,你有什麼看法?
答:雖說兩種格式的相異之處實在太多,但我無意去劃分所謂數位味和類比味。然後,高解析的動態效果遠超出類比也是事實。像是動態範圍大的樂段,我們知道要避免刻在黑膠內圈,因為這是黑膠載體的天限,但對數位訊號來說,這不會是障礙;而對DSD來說,動態更不是問題,DSD的動態範圍比PCM還要再多一些。另外,即使是數位錄音的黑膠唱片,聽起來也有自己的味道,因為整個類比製片與播放過程充滿太多變數了;在數位錄音方面,這些問題可以減到盡可能少。如果再生得好,我個人會投高解析一票,因為它就是夠生動、真實,也有感染力,這與我說的音樂性有關。不過黑膠的實體封面也很讚,數位檔案就沒有這種賣點。

問:欸?DSD的動態範圍比較好嗎?不少玩家都認為PCM聽起來就是比較有動態啊,為什麼從錄音師的角度反而會說「DSD的動態範圍比PCM還要再多一些」?
答:簡單來說,DSD格式可以比PCM多出3dB的錄音範圍,當然有錄製更大動態的潛力。PCM的話,也許聽起來比較「帶勁、有Punch感」,但這跟「動態範圍」畢竟還是不同。

問:原來如此。來談前面提的關鍵字吧,「音樂性」這個字有點複雜,不如先說說你對「原創性」的看法?前面所謂原創,指的是形式豐富的多元樂種還是口味獨特的音樂詮釋手法呢?
答:我說原創性是指樂手或歌手有自己的音樂作品或詮釋。所以,沒錯,不同形式的樂種以及特殊的音樂詮釋我都認為屬於原創性的範疇。嗯…當然啦,我的錄音方式和錄音設備,也算有原創性的啦!

問:那麼,「音樂性」對你來說應該如何定義呢?不妨舉個例子說說。(其實這擺明是挖坑給Todd跳,因為Musicality這個字實在太難解釋透徹了,看Todd如何四兩撥千斤。)
答:嗯,音樂性很主觀哪,可以說是某種藉著編曲或演奏方式讓人下意識有所感受的聲音特質吧!甲認為是音樂的,可能乙覺得根本是噪音…至於舉例啊,反而不難。如果你喜歡MA錄的音樂,那你大概也體驗到了我認為的「音樂性」是怎麼個回事。(沒想到最後球被殺了回來,Todd真是好樣的。)

其實Todd講的我很認同,音樂性不就是關乎演出者「怎麼呈現聲音」嗎?無論編曲還是演奏技巧。這包含了詮釋方向(Interpretation),也包含了細部運音(Articulation)。有趣的是,如果將這概念擴大解釋,音響迷調聲的目的,不也正是在「找出自己的音樂性」?接下來,介紹一張MA的錄音,台灣目前似乎還沒有引進;如果原廠尚有庫存,請Joy Audio不妨冒險試著進幾張,讓更多樂迷接觸到Todd的精彩錄音,進而體驗這位資深發燒錄音師心目中的音樂性究竟是何樣貌。(文|周靖庭)


古琴獨白,飄逸絕倫
Miki TakahashiMonologue

錄音時間:20118
錄音地點:Andreaskirche in Berlin Wannsee
編號:MAJ 509

上一期介紹了十九世紀狂狷風流的無伴奏奇想曲,這期就回到讓小提琴璀璨綻放的巴洛克時期,看看古樂演奏家能讓十七世紀的無伴奏曲目同發燒錄音擦出什麼火花。獨挑大樑的小提琴家高橋未希(Miki Takahashi)出身自桐朋學園,後於柏林藝術大學進修古樂小提琴,並以最高分成績畢業;而早在十年前,此姝已連續奪得古樂界兩個國際大賽的雙料冠軍,先是拿到International Telemann Competition的首獎及裝飾奏獎,接著也囊括International Competition Musica Antiqua的首獎及觀眾票選獎,實力可見一斑。人物簡介點到為止,重要的是,高橋未希的合奏錄音已然不多,獨奏錄音更是極為稀少,幸有MA Recordings成功捕捉了其中微妙的音樂細節與情緒變化。此輯聽來,琴技帶餘裕、琴聲富韻味,不向讀者推介實在可惜,以下姑且試著用有限的文字來描述錄音裡別緻的音響性與音樂性。

美妙音響性的至高樂趣
從發燒的角度講,Todd與我都意識到MA的招牌特色之一在於空間感,對應發燒圈的中文術語,即所謂堂音。這張獨奏錄音不僅抓到諸多運弓細節(請聽那弓毛擦弦發出的小小雜音),也收進聲波在錄音空間中折射出的環境音;透過好的器材再生,幾乎只聞古樂琴聲和細碎聲響在空氣裡振動,音樂的流動彷彿打破了空間限制,從錄音現場迴繞到聆聽者耳際,融為一體。自然豐美的堂音當如是。

再者,古樂小提琴的音質、音色等變化其實比我們想像的來得多,那是充滿木質纖維的淡然之美,而絕非乾枯。高橋於此輯選了二把古琴、三把仿古琴弓,在專輯中交互著搭配演奏,那些都是她為了曲目的聲響特質與音樂情緒需求所特別挑選的組合,剛好也符合聽音響的樂趣:不同的琴、弓搭配,帶出不同的密度、共鳴,提琴聲音的軟調硬調也有所變化,有幾軌聽起來偏向輕盈爽脆,有幾軌則較內斂密實;甚至擦弦毛邊也各有風味,您聽到的擦弦究竟是嘶嘶沙沙聲,還是呼呼刷刷聲?

無伴奏碑石
這張專輯的概念相當成熟,顯出巴洛克無伴奏曲目的多樣性。第一軌Thomas Baltzar的前奏曲展示了小提琴高低音域的聲線轉換,也展示了演奏者梳理樂句層次的章法;在最後一軌,Thomas Dinsley的輓歌樂章,高橋進一步表現單把提琴如何讓淺淺哀思的樂句自相吟詠唱和,時泣時訴。

刁鑽老到的樂迷更不會放過其中兩大重頭戲,H. I. F. BiberPassacagliaJ. S. BachBWV. 1003Passacaglia的技巧難度聽起來不誇張,但設定詮釋速度、鋪陳樂思、拿捏音符時值便相當考驗演奏者智慧:樂句有急緩之分,那麼前後樂句的呼吸起伏以及間隔的休止該如何安排方能奏出獨思神遊的況味?另外,這闋變奏曲與DinsleyBach又有什麼關聯?高橋親筆撰寫的小冊內文可為參考,請樂迷出手一探究竟吧!她在小冊中也提出自己對BWV. 1003的詮釋,第一樂章是人的祈求、第二樂章是神的身影、第三樂章是撫慰、第四樂章是沉潛的和諧。聽著第三樂章的弦以持續音的姿態莊重響起,確實隱含深厚的生死大慨,像是滿佈皺紋的手掌撫過喪葬隊伍的棺槨,更像詩篇所描述「我雖行過死蔭的幽谷,也不怕遭害,因為你與我同在,你的杖、你的竿都安慰我」。無伴奏的宗教情緒,卻是無止盡的漫延伸展,直到安慰與信仰從毛細孔滲入血肉之軀。這樣接近先驗的直觀,讓人感受到巴哈的無伴奏小提琴奏鳴曲終究私密,也使人願意相信在塵世中尋找救贖的方法之一,正是音樂。